11/07/2011
Para os amantes do samba, hoje saberemos como se originou esta dança, que tomou conta do Brasil.
Quem não gosta de samba é doente do pé, assim dizem os grandes sambistas.
O Samba é uma dança popular e gênero musical derivado de ritmos e melodias de raízes africanas, como o lundu e o batuque. A coreografia é acompanhada de música em compasso binário e ritmo sincopado. Tradicionalmente, é tocado por cordas (cavaquinho e vários tipos de violão) e variados instrumentos de percussão. Por influência das orquestras americanas em voga a partir da segunda guerra mundial, passaram a ser utilizados também instrumentos como trombones e trompetes, e, por influência do choro, flauta e clarineta. Apesar de mais conhecido atualmente como expressão musical urbana carioca, o samba existe em todo o Brasil.
Como gênero musical urbano, o samba nasceu e desenvolveu-se no Rio de Janeiro nas primeiras décadas do século XX. Em sua origem uma forma de dança, acompanhada de pequenas frases melódicas e refrões de criação anônima; foi divulgado pelos negros que migraram da Bahia na segunda metade do século XIX e instalaram-se nos bairros cariocas da Saúde e da Gamboa. A dança incorporou outros gêneros cultivados na cidade, como polca, maxixe, lundu, xote etc., e originou o samba carioca urbano e carnavalesco. Surgiu nessa época o partido alto, expressão coloquial que designava alta qualidade e conhecimento especial, cultivado apenas por antigos conhecedores das formas antigas do samba.
Samba: a origem da palavra
É quase consenso entre especialistas que a origem provável da palavra samba esteja no desdobramento ou na evolução do vocábulo "semba", que significa umbigo em quimbundo (língua de Angola). A maioria desses autores registra primeiramente a dança, forma que teria antecedido a música. De fato, o termo "semba" - também conhecido por umbigada ou batuque - designava um tipo de dança de roda praticada em Luanda (Angola) e em várias regiões do Brasil, principalmente na Bahia. Do centro de um círculo e ao som de palmas, coro e objetos de percussão, o dançarino solista, em requebros e volteios, dava uma umbigada num outro companheiro a fim de convidá-lo a dançar, sendo substituído então por esse participante. A própria palavra samba já era empregada no final do século XIX dando nome ao ritual dos negros escravos e ex-escravos.
"Nos primeiros tempos da escravidão, a dança profana dos negros escravos era o símile perfeito do primitivo batuque africano, descrito pelos viajantes e etnógrafos. De uma antiga descrição de Debret, vemos que no Rio de Janeiro os negros dançavam em círculo, fazendo pantomimas e batendo o ritmo no que encontravam: palmas das mãos, dois pequenos pedaços de ferro, fragmentos de louça, etc.. "Batuque" ou "Samba" tornaram-se dois termos generalizados para designarem a dança profana dos negros no Brasil" (ALVES, Henrique. Sua Ex.a o samba. São Paulo. Símbolo, 1976, p. 17).
Há no entanto vozes discordantes, que dão margem a outras versões etimológicas: Maria Teresa Mello Soares (São Ismael do Estácio - O sambista que foi rei. RJ, Funarte, 1985, p. 88) menciona a possibilidade de o vocábulo ter-se derivado da palavra "muçumba", uma espécie de chocalho. Também Mário de Andrade (Dicionário Musical Brasileiro. São Paulo, Edusp, 1989, p.454) assinala outras origens possíveis para o termo e para a dança. Segundo ele, bem poderia vir de "zamba", tipo de dança encontrada na Espanha do século XVI, além de mencionar o fato de que "zambo" (ou "zamba") significa o mestiço de índio e negro.
A tese defendida por Teodoro Sampaio (Tupi na Geografia Nacional, citado por Henrique Alves em Sua Ex.a o samba. São Paulo. Símbolo, 1976, p. 18) de que a gênese pudessem advir de termos como "çama" ou "çamba" significando corda (ou a dança da corda) e de que este pudesse ser um ritmo gêmeo do brasileiro samba é totalmente refutada por Henrique Alves, "dada a falta de consistência de influências indígenas no teor da música e da dança, cuja característica é eminentemente africana". Ainda de acordo com Mário de Andrade , a palavra "samba" viveu um verdadeiro período de "ostracismo" no início do século, conhecendo variantes coreográficas cultivadas por "brancos rurais" (o coco), para depois ser ressuscitada com vigor pelos fãs do maxixe.
Ilustração: É do compositor, pianista e regente clássico brasileiro, Alexandre Levy, morto aos 28 anos em 1892, a primeira partitura que se conhece em que o samba é focalizado, e já de forma erudita. Nascido em ambiente musical - seu pai era comerciante de artigos do ramo, tocava clarinete, e seu irmão o iniciou no piano - Alexandre Levy completou seus estudos em várias capitais européias. Ao retornar ao Brasil com pouco mais de 20 anos já era regente e compositor, além de pianista de reconhecido talento. Sua obra "Samba" - chamada na forma afrancesada, como hábito na época, "suite brésilienne e danse negre -, editada postumamente em redução para o piano, é ilustrada por desenho que reproduz o que seria uma roda de samba no final do século XIX.
Os estilos que formaram o samba
Lundu - Originária de Angola e do Congo, o lundu é um tipo de dança africana - na época considerada até obscena - , que tinha como passo coreográfico a própria umbigada. Apareceu no Brasil por volta de 1780. Alguns autores o comparam com o batuque praticado nas senzalas. No final do século XVIII, surgiu como canção, tanto no Brasil, quanto em Portugal. José Ramos Tinhorão (Pequena história da música popular - da modinha ao tropicalismo. São Paulo, Art, 1986, p. 56), citando o maestro Batista Siqueira, distingue as duas manifestações (coreográfica e musical), afirmando que até hoje não foi possível "saber se, de fato, a dança lundu inspirou o tipo de cantiga do mesmo nome, e de como se deu essa passagem daquilo que era ritmo e coreografia - para o que viria a ser canção solista." Acolhido por todas as camadas sociais, inclusive os aristocratas, o lundu acabou ganhando a simpatia dos centros urbanos a partir de 1820, invadindo os teatros do Rio de Janeiro, Bahia e Pernambuco, onde seus números eram apresentados no entremez, espécie de quadro cômico e musical realizado durante os entreatos de dramas e tragédias. Em 1844, porém, o país foi tomado de assalto por outro tipo de ritmo - também de compasso binário e dançado em pares - que na Europa estaria causando um tremendo furor: este ritmo nada mais era do que a polca.
Polca - De acordo com definição contida no Dicionário de Música Popular Brasileira: erudita, folclórica e popular, a polca é um tipo de dança rústica originária da região da Boêmia (parte do império austro-húngaro), tendo chegado à cidade de Praga em 1837, quando se transformou em dança de salão. De ritmo alegre e saltitante, espalhou-se rapidamente pela Europa, tornando-se a coqueluche dançante da época. No Brasil veio trazida por companhias teatrais francesas, fazendo sua estréia oficial em 3 de julho de 1845 no Teatro São Pedro. Tornou-se tão popular que uma agremiação foi fundada em seu nome: A Sociedade Constante Polca. Segundo José Ramos Tinhorão, o gênero obteve o sucesso que o lundu, sozinho, jamais havia conseguido realizar: "... a semelhança de ritmo com o lundu permite uma fusão que poderia às vezes ser nominal, mas que garante ao gênero de dança saído do batuque a possibilidade de ser, afinal, admitido livremente nos salões sob o nome mágico de polca-lundu."
Chula - A chula é um gênero de dança ou de canção de origem portuguesa surgida no final do século XVII. Também herdeira da umbigada - com seus requebros, volteios e sapateados - adquire entre nós uma forma maliciosa e erótica. O termo reapareceu entre os sambistas no início do século. Assim o define João da Baiana: "Antes de falá samba, a gente falava chula. Chula era qualquer verso cantado. Por exemplo. Os versos que os palhaço cantava era chula de palhaço. Os que saía vestido de palhaço nos cordão-de-velho tinha chula de palhaço de guizo. Agora, tinha a chula raiada, que era o samba do partido alto. Podia chamá chula raiada ou samba raiado. Era a mesma coisa. Tudo era samba de partido-alto. E tinha samba corrido".
Maxixe - Primeira dança considerada autenticamente brasileira, tendo como ancestrais diretos a umbigada, o batuque e o lundu, o maxixe tem sua origem nos bairros de contingentes negros e mestiços do Rio de Janeiro, como Saúde e Cidade Nova. Sua aparição, por volta de 1870, deveu-se principalmente à vontade de se dançar, de forma mais livre, os ritmos em voga na época, principalmente a polca. O maxixe, na opinião de José Ramos Tinhorão, foi sobretudo obra do "esforço dos músicos de choro em adaptar o ritmo das musicas à tendência dos volteios e requebros de corpo com que mestiços, negros e brancos do povo teimavam em complicar os passos das danças de salão".
Os primeiros sambas e sua evolução
Em 1917 foi gravado em disco o primeiro samba, Pelo telefone, de autoria reivindicada por Donga (Ernesto dos Santos). A propriedade musical gerou brigas e disputas, pois habitualmente a composição se fazia por um processo coletivo e anônimo. Pelo telefone, por exemplo, teria sido criado numa roda de partido alto, da qual participavam também Mauro de Almeida, Sinhô e outros. A comercialização fez com que um samba passasse a pertencer a quem o registrasse primeiro. O novo ritmo firmou-se no mercado fonográfico e, a partir da inauguração do rádio em 1922, chegou às casas da classe média.
Os grandes compositores do período inicial foram Sinhô (José Barbosa da Silva), Caninha (José Luís Morais), Pixinguinha (Alfredo da Rocha Viana) e João da Baiana (João Machado Guedes). Variações surgiram no final da década de 1920 e começo da década de 1930: o samba-enredo, criado sobre um tema histórico ou outro previamente escolhido pelos dirigentes da escola para servir de enredo ao desfile no carnaval; o samba-choro, de maior complexidade melódica e harmônica, derivado do choro instrumental; e o samba-canção, de melodia elaborada, temática sentimental e andamento lento, que teve como primeiro grande sucesso Linda flor (Ai, Ioiô), de Henrique Vogeler, Marques Porto e Luiz Peixoto, gravado em 1929 pela cantora Araci Cortes.
Também nessa fase nasceu o samba dos blocos carnavalescos dos bairros do Estácio e Osvaldo Cruz, e dos morros da Mangueira, Salgueiro e São Carlos, com inovações rítmicas que ainda perduram. Nessa transição, ligada ao surgimento das escolas de samba, destacaram-se os compositores Ismael Silva, Nílton Bastos, Cartola (Angenor de Oliveira) e Heitor dos Prazeres. Em 1933, este último lançou o samba Eu choro e o termo "breque" (do inglês break, então popularizado com referência ao freio instantâneo dos novos automóveis), que designava uma parada brusca durante a música para que o cantor fizesse uma intervenção falada. O samba-de-breque atingiu toda sua força cômica nas interpretações de Moreira da Silva, cantor ainda ativo na década de 1990, que imortalizou a figura maliciosa do sambista malandro.
O samba-canção, também conhecido como samba de meio do ano, conheceu o apogeu nas décadas de 1930 e 1940. Seus mais famosos compositores foram Noel Rosa, Ary Barroso, Lamartine Babo, Braguinha (João de Barro) e Ataulfo Alves. Aquarela do Brasil, de Ary Barroso, gravada por Francisco Alves em 1939, foi o primeiro sucesso do gênero samba-exaltação, de melodia extensa e versos patrióticos.
A partir de meados da década de 1940 e ao longo da década de 1950, o samba sofreu nova influência de ritmos latinos e americanos: surgiu o samba de gafieira, mais propriamente uma forma de tocar, - geralmente instrumental, influenciada pelas orquestras americanas, adequada para danças aos pares praticadas em salões públicos, gafieiras e cabarés - do que um novo gênero.
Em meados da década de 1950, os músicos dessas orquestras profissionais incorporaram elementos da música americana e criaram o sambalanço. O partido alto ressurgiu entre os compositores das escolas de samba dos morros cariocas, já não mais ligado à dança, mas sob a forma de improvisações cantadas feitas individualmente, alternadas com estribilhos conhecidos cantados pela assistência. Destacaram-se os compositores João de Barro, Dorival Caymmi, Lúcio Alves, Ataulfo Alves, Herivelto Martins, Wilson Batista e Geraldo Pereira.
Com a bossa nova, que surgiu no final da década de 1950, o samba afastou-se ainda mais de suas raízes populares. A influência do jazz aprofundou-se e foram incorporadas técnicas musicais eruditas. O movimento, que nasceu na zona sul do Rio de Janeiro, modificou a acentuação rítmica original e inaugurou um estilo diferente de cantar, intimista e suave. A partir de um festival no Carnegie Hall de Nova York, em 1962, a bossa nova alcançou sucesso mundial. O retorno à batida tradicional do samba ocorreu no final da década de 60 e ao longo da década de 70 e foi brilhantemente defendido por Chico Buarque, Billy Blanco e Paulinho da Viola e pelos veteranos Zé Kéti, Cartola, Nelson Cavaquinho, Candeia e Martinho da Vila.
Na década de 1980, o samba consolidou sua posição no mercado fonográfico e compositores urbanos da nova geração ousaram novas combinações, como o paulista Itamar Assunção, que incorporou a batida do samba ao funk e ao reggae em seu trabalho de cunho experimental. O pagode, que apresenta características do choro e um andamento de fácil execução para os dançarinos, encheu os salões e tomou-se um fenômeno comercial na década de 1990.
Donga, Pixinguinha e João da Baiana durante o depoimento no MIS.
A origem das escolas de samba
"O estilo (antigo) não dava para andar. Eu comecei a notar que havia uma coisa. O samba era assim: tan tantan tan tantan. Não dava. Como é que um bloco ia andar na rua assim? Aí a gente começou a fazer um samba assim: bumbum paticumbumpruburundum." (Depoimento de Ismael Silva dado ao jornalista Sérgio Cabral, citado no livro).
A primeira escola de samba nasceu no Estácio - portanto no asfalto e não no morro - fez a sua primeira aparição oficial no desfile da Praça Onze em 1929, chamava-se Deixa falar e surgiu como um "ato de malandragem". Até essa data o que se via nas ruas durante o carnaval era o desfile das Grandes Sociedades, dos ranchos carnavalescos (também conhecidos como blocos de cordas, pois possuíam um cordão de isolamento e proteção) e dos blocos propriamente ditos (mais modestos em sua administração). A diferenciação entre esses dois últimos é pequena. De acordo com a autora Eneida Moraes (História do carnaval carioca. Rio de Janeiro, Record, 1987), citando Renato de Almeida, "os ranchos eram cordões civilizados e os blocos, mistos de cordões e ranchos". A tradição da brincadeira de rua já existia há muito tempo no Distrito Federal (desde o entrudo e mais tarde, o Zé Pereira), mas sem nenhum tipo de organização musical. Foram justamente os blocos, ranchos e cordões que deram unidade musical a um desfile até então caótico.
As escolas de samba surgiram no Rio de Janeiro por volta de 1920. A crônica do carnaval descreve o cenário então existente na cidade de forma nitidamente estratificada: a cada camada social, um grupo carnavalesco, uma forma particular de brincar o carnaval. As Grandes Sociedades, nascidas na segunda metade do século XIX, desfilavam com enredos de crítica social e política apresentados ao som de óperas, com luxuosas fantasias e carros alegóricos e eram organizadas pelas camadas sociais mais ricas. Os ranchos, surgidos em fins do século XIX, desfilavam também com um enredo, fantasias e carros alegóricos ao som de sua marcha característica e eram organizados pela pequena burguesia urbana. Os blocos, de forma menos estruturada, abrigavam grupos cujas bases se situavam nas áreas de moradia das camadas mais pobres da população: os morros e subúrbios cariocas. O surgimento das escolas de samba veio desorganizar essas distinções" (CAVALCANTI, Maria Laura. Viveiros de Castro. Ed. Funarte, UFRJ, p.p. 22/23).
De todas as agremiações populares, o Rancho era o mais aceito pelas autoridades, pela sua forma de organização. Nascido no bairro suburbano da Saúde, tradicional região de imigrantes nordestinos, o Rancho carnavalesco, derivado do Rancho de Reis, existente em sua forma pagã desde 1873, foi a grande fonte inspiradora para as primeiras escolas de samba. Lembrando ainda as procissões religiosas, a sua música, voltada para as tradições folclóricas, principalmente o maracatu, trazia um andamento dolente, arrastado, nada adaptado para a euforia dos primeiros sambistas que também despontavam nesses mesmos espaços culturais: "Essa lentidão, que permitia um desfilar sem vibração, quase monótono, causava irritação aos carnavalescos da nova geração, que se mostravam desejosos de dançar com um ritmo mais alegre e de acordo com a folia do carnaval. Esse foi o motivo que levou sambistas - como Ismael Silva e seus companheiros - compositores que viviam no Estácio e periferia, a criar um novo ritmo que permitisse cantar, dançar e desfilar, ao mesmo tempo" (SOARES, Maria Theresa Mello. São Ismael do Estácio: o sambista que foi rei. Rio de Janeiro, Funarte, 1985, p. 90).
E por que no Estácio? O Estácio, tradicional bairro de bambas, boêmios e tipos perigosos - o índice de vadiagem na região era grande devido ao excesso de mão de obra e a escassez da oferta de trabalho - situava-se geograficamente perto do morro de São Carlos e também da Praça Onze, local dos desfiles, o que facilitava a troca cultural. "Esses bambas, como eram conhecidos na época os líderes dessa massa de desocupados ou trabalhadores precários, eram, pois, os mais visados no caso de qualquer ação policial. Assim, não é de estranhar que tenha partido de um grupo desses representantes típicos das camadas mais baixas da época - Ismael Silva, Rubens e Alcebíades Barcellos, Sílvio Fernandes, o Brancura, e Edgar Marcelino dos Santos - a idéia de criar uma agremiação carnavalesca capaz de gozar da mesma proteção policial conferida aos ranchos e às chamadas grandes Sociedades, no desfile pela Avenida, na terça-feira gorda" (TINHORÃO, José Ramos. Música Popular Brasileira: um tema em debate. Saga, RJ, 1966. p. 76/77).
De fato, foi um drible de craque, ou, como queiram, um verdadeiro golpe de bamba nas autoridades, realizável apenas por aqueles que cedo aprenderam a conviver com a repressão, tendo que buscar soluções viáveis para a sua existência cultural. Assim, a Deixa falar do Estácio entrou na avenida naquele ano de 1929 como um "bloco de corda", totalmente legitimada e protegida pela polícia, ao som de um ritmo saltitante e uma nova batida, capaz de provocar a euforia de qualquer folião: a batucada. Um ano mais tarde, cinco outras escolas apareceram para o desfile da Praça Onze: a Cada ano sai melhor (do Morro do São Carlos); a Estação primeira de Mangueira; a Vai como pode (mais tarde, Portela), a Para o ano sai melhor (também do Estácio) e a Vizinha faladeira (das imediações da Praça Onze). Surgida na Largo do Estácio, a novidade repercutiu rapidamente para vários morros e subúrbios. Desta forma, as escolas foram se espalhando e a cada ano nasciam outras agremiações carnavalescas que faziam suas evoluções na Praça Onze, cantando sambas com temáticas que abordavam acontecimentos locais ou nacionais, tanto no domingo quanto na terça-feira gorda. Estava definitivamente consolidado o samba carioca.
"Criou um território, pequeno, mas só dele. Mandava num quadrilátero que ia da Saúde ao Estácio, e da Praça da Bandeira à Onze. Esta sempre servindo de sede para os acontecimentos mais importantes de sua vida. Na praça a aglomeração cresceu, sempre em torno dele. Era o pessoal descendo o morro para brincá-lo no carnaval, eram os ranchos, blocos e cordões se chegando para a festa. Samba fora da Praça Onze não tinha graça. Não podia ser. A praça-mãe devia ter calor maior. Enfim, feitiço de berço" (SOARES, Maria Theresa Mello. São Ismael do Estácio: o sambista que foi rei. Rio de Janeiro, Funarte, 1985, p. 95).
Fontes: Cifrantiga - História da MPB e Cifras, História do Samba, Dicionário Musical Brasileiro, Mário de Andrade, Brasil Musical - Viagens pelos ritmos e sons brasileiros (Tarik de Souza e outros), Dicionário de Música Brasileira-Folclórica, Erudita e Popular, História do Samba - Ed. Globo.
Samba – Introdução
Durante os cincos últimos séculos as diferentes tradições musicais existente no Brasil se misturaram muito: portuguesa, africana e de forma reduzida a indígina. Harmonias, danças, rítmos e outros elementos musicais se fundiram, formas de expressões antigas foram modificadas e novas formas musicais criadas.
Até hoje tanto a origem do nascimento como a evolução de um dos amis importantes genros musicais da cultura da música brsileira do séc. 20 – o samba – ainda não foram revelados completamente, porém existe um grande número de teorias sobre a origem do samba.A palavra samba parece ser originária da Angola, onde a expressão Semba na língua dos Kimbusquer dizer toque de umbimgo como um chamado para dançar. Esse toque era originariamente uma parte integrante de muitas danças de rodas africanas.
Uns acreditam que o Lundu, uma dança já existente no século 18, seja a origem do samba. Já outros são da opnião que um tipo muito primitivo se samba ou pelo menos elementos essenciais da dança foram trazidos por escravos no século 19 da Bahia para o Rio de Janeiro. Porém foi no Rio que o samba cresceu, se desenvolveu, foi preparado e se tornou num gênero musical, o qual se destinguiu dos demais gêneros musicais afro-brasileiros.
No começo do século 20 já havia no Rio de Janeiro um grande número de imigrantes negros da província Bahia, os quais formavam um grupo cultural baiano num bairro do Rio chamado Praça Onze. A Praça Onze foi o local mais importante para o desenvolvimento do samba. Lá morarava a Tia Ciata (seu nome era ...), a qual nasceu em Salvador, Bahia. Ela fez seu nome com a produção de docces e sendo a anfitriã de festividades. A sua casa foi um ponto de encontro muito importante para o cultivo da cultura africana e para o nascimento do samba, o qual não teve um começo muito fácil. Samba era proibido ser tocado, era alto, não era música civilizada e feita por negros. Muitos negros foram intimidados pela polícia, presos e frequentemente torturados.
O SAMBA FLORIU NO OCULTO.
Apesar da probição, era na casa da Tia Ciata que se reuniam os pioneiros do mundo do samba, como Pixinguinha, Donga, João da Baiana e Sinhô. E foi exatamente na casa dela que no ano de 1917 foi composto Pelo Telefone. Foi a primeira músiaca gravada entitulada samba.
A Primeira escola de samba – Deixa Falar
A primeira escola de samba foi a Deixa Falar, fundada em 12 de agosto de 1928 no Estácio (um bairro do centro do Rio) por ........... entre outros. Na verdade a Deixa Falar nunca foi uma escola de samba e sim um bloco. Como os fundadores dela nessa época eram conhecidos como os mestres do novo gênero musical, a Deixa Falar ganhou o título de escola de samba. Os fundadores e sócios dela eram homens jovens, revolucionários, os quais pretendiam melhorar a relação entre os sambistas (pessoas, as quais estavam diretamente ligadas ao mundo do samba, tais como: músicos, compositores e dançarinos) e a polícia, a qual sempre impedia que negros e mulatos festejassem o carnaval em blocos pelo centro da cidade. Sem uma autorização official era proibido tocar samba e desfilar pelas ruas durante a época de carnaval. Deixa Falar resistiu a proibição e organizou um pequeno desfileno bairro do Estácio e Pça. Onze, no qual os outros blocos de outros bairros aderiram.
Deixa falar existiu por pouco tempo: 1933 ela já não mais existia, porém o primeiro passo foi tomado.
A Legitimação das Escolas de Samba
O nome “escola de samba” foi evidentemente uma ironia a uma alusão a uma escola primária, a qual ficava do lado oposto do ponto de encontro da Deixa Falar.
Noel Rosa já cantava que “samba é uma coisa que não se aprende na escola”. Porém a palavra escola não estava tão errada. Muitos pesquisadores são da opinião que o nome escola tem haver diratamente com o desejo de conquistar uma ascensão e reconhecimento social: não só para o samba, mas também para os próprios negros. Pois escola é uma instituição de ensino oficial reconhecida socialmente e tem a função de transmitir um ensinamento.
No ano de 1929 com a fusão de vários blocos no bairro da Mangueira surgiu a segunda escola de samba. Essa deveria ser a mais tradicional e duradoura de todas elas: Estação Primeira da Mangueira. Neste mesmo ano o governo de Getúlio Vargas finalizou a usurpação sobre as Escolas de Samba do Rio e reconheceu o desfile delas como oficial.
Um ano mais tarde já existia cinco outras Escolas mais no Rio de Janeiro.
No dia 07 de fevereiro de 1932 foi realizado o primeiro concurso para o desfile das Escolas de Sambana Pça. Onze. Neste primeiro concurso participaram 19 Escolas de Samba e o primeiro lugarrecebeu Mangueira. Como esse acontecimento foi noticiado pela imoprensa local de uma forma muito positiva, as Escolas de Samba passaram a ganhar uma melhor aceitação perante a sociedade “branca”.
No decorrer das décadas o samba, até então visto como música não civilizada e as Escolas de Samba ganharam (passaram a gozar) não só de reconhcimento nacional , como também prestígio.
O SAMBA, ORIGINALMENTE VINDO DAS FAVELAS NA ÈPOCA DA SOCIEDADE PORTUGUESA-BRASAILEIRA, TRATADO COMO “MÚSICA DE RUA”, SE TRANSFORMOU NO SÉCULO 20 O SÍMBOLO NACIONAL BRASILEIRO. O SAMBA: MÚSICA, DANÇA E EXPRESSÃO DE ALEGRIA SÃO A MENSAGEM DA CULTURA BRASILEIRA EM TODO MUNDO.
Sambódromo – A Passarela da Samba
Com a institucionalização das Escolas de Samba foi necessário se criar um lugar único para a realização do desfiledo carnaval, o qual já tinha se tornado um acontecimento mundial.
Todos os anos eram montadas arquibancadas, o que causava um enorme custo a cidade e por último um caos no trânsito durante a montagem e a desmontagem.
Este problema foi solucionado apartir de 1984 com a criação da Passarela do Samba na Rua Marquês de Sapucaí, conhecida principalmente entre os cariocas como Sambódromo.
O Sambódromo foi idealizado pelo mundialmente conhecido arquiteto Oscar Niemeyer. Ele conta com 700 m. de extensão, cercado por camarotes fixos, os quais oferecem 90.000 lugares.
Ao fundo se encontra a Pça. da Apoteose, a qual marca o fim do desfile das Escolas de Samba e abriga o museu do Carnaval. O Sambódromo possui duas funções a mais:
Ele pode se transformar num local para concertos ao ar livre tendo a Pça. da Apoteose como o palco. A função mais importante do Sambódromo é ser uma escola primária (de março a dezembro) durante o ano inteiro com as suas 210 salas de aula.
Samba: a música
A Música cresceu com as influências do Lundu, da Polca, Habana assim como outros gêneros, tais como a Marcha e o Maxixe.
Samba é uma forma musical animada, a qual é caracterizada pelo canto alternado, comparando com a Marcha e o Maxixe, uma forte acentuacão da parte percussiva e um som menos formal
Tecnicamente falando a música samba tem sua base no 2/4 acentuando principalmente o segundo quarto, estrofes, refrões e synko
Contudo existe diferentes tipos formas musicais de se tocar o samba, como por exemplo: samba-enredo conhecido pelas escolas de samba; o melodioso samba-cancão pagode e a bossa-nova conhecida mundialmente.
Samba: a dança
Na dança samba todas as partes do corpo podem se movimentar independentemente uma das outras, isto quer dizer que certos centros de movimento se formam no decorrer da dança isoladamente um dos outros – este fenômeno é conhecido no mundo da dança como polizentria. De uma forma geral, as partes do corpo, as quais o homen costuma isolar, são: a cabeça, os ombros e o torax; enquanto a mulher também o torax, a barriga, a região do pelvis (quadris e nádegas), braços e pernas. Embora as diferentes partes da perna possam ser isoladamente movimentadas, assim como a parte superior como a inferior da coxa e o joelho, a fronteira entre a forma masculina e feminina de sambar é entretando difusa.
Devido ao fato de o samba ser dançado por muitas pessoas em vários estados brasileiros, se pode constatar rapidamente, que existe um grande número de passos de samba, os quais por um lado acentuam ainda mais a sua complexidade, e por outro lado permitem a todos uma certa individualidade no sambar.
A dança samba transmite um certo toque de erotismo e sensualidade, pela razão de que os quadris “a zona proibida” (principalmente das mulheres) recebem mais ênfase do que nas danças européias.
Samba: o sentimento
Quando se pergunta a um brasileiro, o que é o samba, recebe-se na maioria das vezes (principalmente no Rio) respostas subjetivas, as quais se referem em muitos dos casos nem à música e nem muito menos à dança. Isto ocorre devido ao fato de que o samba ganhou uma inportância muito grande na sociedade brasileira no passar do século vinte. Samba significa muitas coisas ao mesmo tempo, tais como: consolo, alegria, fuga da realidade, animação, liberdade. Além disso filosofia, cultura e tradição. Talvez o samba tenha tido esse êxito por transportar em si estes sentimentos, os quais penetraram nas mais diferentes camadas da sociedade brasileira.
“Quem não gosta de samba,
bom sujeito não é,
ou é ruim da cabeça,
ou doente do pé”.
bom sujeito não é,
ou é ruim da cabeça,
ou doente do pé”.
Dorival Caymmi, “Samba da minha terra”
Esta introdução a história do samba foi escrita no ano de 1999 durante meu estudo de Etnologia no âmbito do meu seminário “O que é tradição?”.
O samba é uma dança animada com um ritmo forte e característico. Originou da África
e foi levado para a Bahia pelos escravos enviados para trabalhar nas plantações de açucar. A dança gradualmente perdeu sua natureza ritualista e eventualmente se tornou
a dança nacional brasileira. Na época de carnaval no Rio de Janeiro que colocou o samba no mapa ocidental, os baianos das plantações de açucar viajavam das aldeias
até o Rio para as festas anuais. Gradualmente a batida sutil e a nuança interpretativa
do samba levavam-nos rua acima dançando nos cafés e eventualmente até nos salões
de baile, tornou-se a alma dança do Brasil. Originalmente a dança teve movimentos de mão muito carcterístico, derivados de sua função ritualista, quando eram segurados pequenos recipientes de ervas aromáticas em cada uma das mãos e eram aproximadas do nariz do dançarino cuja fragância excitava. Havia muito trabalho de solo e antes de se tornar uma dança de salão, teve passos incorporados do maxixe. Os grandes dançarinos americanos, Irene e Castelo de Vernou, usou o samba nas suas rotinas profissionais, e assim começou a se espalhar. Mas provavelmente foi Carmem Miranda, a brasileira mais conhecida de todos, que com tremenda vitalidade e perícia de atriz, colocou o samba como o mais excitante e contagiante do mundo. No Brasil o desfile das escolas de samba, cresceu e o País desenvolveu seu próprio ballet artístico com ritmo de samba e movimentos básicos.
Fonte: Guia do Pelourinho
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Origem do Samba
O samba é uma dança animada com um ritmo forte e característico. Originou da África
e foi levado para a Bahia pelos escravos enviados para trabalhar nas plantações de açucar. A dança gradualmente perdeu sua natureza ritualista e eventualmente se tornou
a dança nacional brasileira. Na época de carnaval no Rio de Janeiro que colocou o samba no mapa ocidental, os baianos das plantações de açucar viajavam das aldeias
até o Rio para as festas anuais. Gradualmente a batida sutil e a nuança interpretativa
do samba levavam-nos rua acima dançando nos cafés e eventualmente até nos salões
de baile, tornou-se a alma dança do Brasil. Originalmente a dança teve movimentos de mão muito carcterístico, derivados de sua função ritualista, quando eram segurados pequenos recipientes de ervas aromáticas em cada uma das mãos e eram aproximadas do nariz do dançarino cuja fragância excitava. Havia muito trabalho de solo e antes de se tornar uma dança de salão, teve passos incorporados do maxixe. Os grandes dançarinos americanos, Irene e Castelo de Vernou, usou o samba nas suas rotinas profissionais, e assim começou a se espalhar. Mas provavelmente foi Carmem Miranda, a brasileira mais conhecida de todos, que com tremenda vitalidade e perícia de atriz, colocou o samba como o mais excitante e contagiante do mundo. No Brasil o desfile das escolas de samba, cresceu e o País desenvolveu seu próprio ballet artístico com ritmo de samba e movimentos básicos.
Fonte: Guia do Pelourinho
26/06/2011
Jazz
| Jazz | |
|---|---|
| Informações gerais | |
| Origens estilísticas | Blues, Folk, Ragtime, Marcha |
| Contexto cultural | meados dos Anos 1910 em Nova Orleães |
| Instrumentos típicos | Saxofone · piano · trompete, Trombone · Clarinete · Tuba · Guitarra · Contrabaixo · Bateria · Vocais |
| Popularidade | década de 1920 à década de 1960 |
| Subgêneros | |
| Asian American jazz • Avant-garde jazz • Bebop • Big band • Chamber jazz • Continental jazz • Cool jazz • Free jazz • Gypsy jazz • Latin Jazz• Mainstream jazz • Mini-jazz • Modal jazz • M-Base • Neo-bop • Orchestral jazz • Post-bop • Stride • Swing • Third stream • Trad jazz • Pop Tradicional • Vocal jazz | |
| Gêneros de fusão | |
| Acid jazz • Afrobeat • Bluegrass • Bossa nova • Calypso jazz • Crossover jazz • Dansband • Deep house • Free funk • Funk • Hard bop • Humppa • Jam band • Jazz blues • Jazz funk • Jazz fusion • Jazz rap • Jump blues • Kwela • Livetronica • Mambo • Math rock • Mod revival • Modern Creative • No Wave • Novelty piano • Nu jazz • Nu soul • Post-metal • Rock Progressivo• Punk jazz • Reggae • Rhythm and blues • Samba Jazz • Sambalanço • Shibuya-kei • Ska • Ska jazz • Smooth jazz • Soul jazz • Spank jazz • Swing revival • World fusion • Yé-yé | |
| Cenas regionais | |
| Austrália • Brasil • Cuba • França • Índia • Itália • Japão • Malawi • Países Baixos • Polônia • África do Sul • Espanha • Reino Unido | |
O Jazz se desenvolveu com a mistura de várias tradições musicais, em particular a afro-americana. Esta nova forma de se fazer música incorporava blue notes, chamada e resposta, forma sincopada, polirritmia, improvisação e notas com swing do ragtime. Os instrumentos musicais básicos para o Jazz são aqueles usados em bandas marciais e bandas de dança: metais, palhetas e baterias. No entanto, o Jazz, em suas várias formas, aceita praticamente todo tipo de instrumento.
As origens da palavra Jazz são incertas. A palavra tem suas raízes na gíria norte-americana e várias derivações têm sugerido tal fato. O Jazz não foi aplicado como música até por volta de 1915. Earl Hines, nascido em 1903 e mais tarde se tornou celebrado músico de jazz, costumava dizer que estava "tocando o piano antes mesmo da palavra "jazz" ser inventada".
Desde o começo do seu desenvolvimento, no início do século XX, o Jazz produziu uma grande variedade de subgêneros, como o Dixieland da década de 1910, o Swing das Big bands das décadas 1930 e 1940, o Bebop de meados da década de 1940, o Jazz latino das décadas de 1950 e 1960, e o Fusion das décadas de 1970 e 1980. Devido à sua divulgação mundial, o Jazz se adaptou a muitos estilos musicais locais, obtendo assim uma grande variedade melódica, harmônica e rítmica.
Conceituação
Como o termo "jazz" tem desde longa data sido usado para uma grande variedade de estilos, uma definição abrangente que incluísse todas as variações é difícil de ser encontrada. Enquanto alguns entusiastas de certos tipos de jazz tem colocado definições menos amplas, que excluem outros tipos, que também são habitualmente descritas como "jazz", os próprios jazzistas são muitas vezes relutantes quanto a definição da música que são executadas. Duke Ellington dizia, "é tudo música." Alguns críticos tem dito que a música de Ellington não era de fato jazz, como a sua própria definição, segundo esses críticos, o jazz não pode ser orquestrado.Por outro lado, os 20 solos de Earl Hines "versões modificadas" das composições de Duke Ellington (em Earl Hines Plays Duke Ellington gravado por volta dos anos 70) foi descrito por Ben Ratliff, crítico do New York Times, como "um exemplo tão bom do processo de jazz quanto qualquer outra coisa que temos."[1]
Há bastante tempo existem debates na comunidade do jazz sobre a definição e as fronteiras do "jazz". Em meados da década de 1930, amantes do jazz de Nova Orleans criticaram as "inovações" da era do swing como contrárias a improvisação coletiva, eles pensavam nisso como essencial para a natureza do "verdadeiro" jazz.
Pelos anos 40, 50 e 60, eram ouvidas criticas dos entusiastas do jazz tradicional e dos fãs do BeBop, na maioria das vezes dizendo que o outro estilo não era, de alguma forma, o jazz "autêntico". Entretanto, a alteração ou transformação do jazz por novas influências tem sido desde o princípio criticada como "degradação", Andrew Gilbert diz que o jazz tem a "habilidade de absorver e transformar influências" dos mais diversos estilos de música.[2]
As formas de música tendo como objetivo comercial ou com influência da música "popular" tem sido ambas criticadas, ao menos quando ocorre o surgimento do Bop. Fãs do jazz tradicional rejeitaram o Bop, o "jazz fusion" da era dos anos 70, é definido por eles como um período de degradação comercial da música. Todavia, de acordo com Bruce Johnson, jazz sempre teve uma "tensão entre jazz como música comercial e uma forma musical".[3] Gilbert nota que como a noção de um cânone de jazz está se desenvolvendo, as "conquistas do passado" podem se tornar "...privilegiadas sob a criatividade particular..." e a inovação dos artistas atuais. O crítico de jazz da Village Voice Gary Giddins diz que assim que a disseminação e a criação do jazz está se tornando cada vez institucionalizada e dominada por firmas de entretenimento maiores, o jazz está lidando com "...um perigoso futuro de aceitação de respeitabilidade e desinteresse." David Ake adverte que a criação de "normas" no jazz e o estabelecimento de um "jazz tradicional" pode excluir ou deixar de lado outras mais novas, formas de jazz avant-garde.[3]
Uma maneira de resolver os problemas de definição é expor o termo "jazz" de uma forma mais abrangente. De acordo com Kin Gabbard "jazz é um conceito" ou categoria que, enquanto artificial, ainda é útil ser designada como: "um número de músicas com elementos suficientes em parte comum de uma tradição coerente". Travis Jackson também define o jazz de uma forma mais ampla, afirmando que é uma música que incluí atributos tais como: "swinging, improvisação, interação em grupo, desenvolvimento de uma "voz individual", e estar "aberto" a diferentes possibilidades musicais".[3]
Improvisação
Um músico tocando saxofone, instrumento muito usado no jazz
Essas características são fundamentais para a natureza do jazz. Enquanto na música clássica europeia elementos de interpretação, ornamento e acompanhamento são, às vezes, deixados a critério do intérprete, o objetivo elementar do intérprete é executar a composição como está escrita. No jazz, entretanto, o músico irá interpretar a música de forma peculiar, nunca executando a mesma composição exatamente da mesma forma mais de uma vez.
Dependendo do humor e da experiência pessoal do intérprete, interações com músicos companheiros, ou mesmo membros do público, um intérprete/músico de jazz pode alterar melodias, harmonias ou fórmulas de compasso da maneira que achar melhor. No Dixieland Jazz, os músicos revezavam tocando a melodia, enquanto outros improvisavam contra melodias. A música clássica da Europa tem sido conhecida como um meio para o compositor. Jazz ,contudo ,é muitas vezes caracterizado como um produto de criatividade democrática, interação e colaboração, colocando valor igual na contribuição do compositor e do intérprete.
Na era do swing, big bands passaram a ser mais baseadas em arranjos musicais - os arranjos foram tanto escritos como aprendidos de ouvido e memorizados (muitos músicos de jazz não liam partituras). Solistas improvisavam dentro desses arranjos. Mais tarde no bebop, o foco mudou para os grupos menores e arranjos mínimos; a melodia (conhecida como "head") era indicada brevemente no início e ao término da música, e o âmago da performance era uma série de improvisações no meio.
Estilos de jazz que vieram posteriormente, tais como o jazz modal, abandonando a noção estrita de progressão harmônica, permitindo aos músicos improviso com ainda mais liberdade, dentro de um contexto de uma dada escala ou modo (ex.: "So What" no álbum do Miles Davis, Kind of Blue).
As linguagens avant-garde jazz e o free-jazz permitem, e exigem, o abandono de acordes, escalas, e métrica rítmica, o grupo Das erste Wiener Gemüseorchester é um exemplo de free-jazz. Quando um pianista, violonista ou outro instrumentista com instrumentos harmônicos, improvisam um acompanhamento enquanto um solista está tocando, isso é chamado de comping (contração da palavra "accompanying"). "Vamping" é um modo de comping que é normalmente restrito a poucos acordes repetitivos ou compassos, como oposição ao comping na estrutura do acorde ao longo da composição. O Vamping também é usado como uma maneira simples de estender o começo ou fim de uma música ou continuar uma segue.
Em algumas composições modernas de jazz, onde os acordes fundamentais da composição são complexos ou de mudança rápida, o compositor ou o intérprete podem criar uma série de "blowing changes", que é uma série de acordes simplificada, melhor aplicada em comping e no improviso solo.
História
Origens
Por volta de 1808 o tráfico de escravos no Atlântico trouxe aproximadamente meio milhão de africanos aos Estados Unidos, em grande quantidade para os estados do sul. Grande parte dos escravos vieram do oeste da África e trouxeram fortes tradições da música tribal.[4] Em 1774 um visitante os descreveu, dançando ao som do banjo de 4 cordas e cantando "a música maluca", satirizando a maneira com que eram tratados. Uma década mais tarde Thomas Jefferson similarmente notou "o banjar, que foi trazido da distante África". Foi feita de cabaça, como a bânia senegalesa ou como a akonting do Oeste da África. Festas de abundância com danças africanas, ao som de tambores, eram organizadas aos domingos em Place Congo Nova Orleães, até 1843, sendo como uma festa similar em Nova Orleães e Nova Iorque.Escravos da mesma tribo eram separados para evitar formações de revolta. E, pela mesma razão, nos estados da Geórgia e Mississippi não era permitido aos escravos a utilização de tambores ou instrumentos de sopro que fossem muito sonoros, pois poderiam ser usados no envio de mensagens codificadas. Entretanto, muitos fizeram seus próprios instrumentos com materiais disponíveis, e a maioria dos chefes das plantações incentivaram o canto para que fosse mantida a confiança do grupo. A música africana foi altamente funcional, tanto para o trabalho quanto para os ritos.
As work songs e field hollers incorporaram um estilo que poderia ser ainda encontrado em penitenciárias dos anos 60, e em um caso eram parecidas com uma canção nativa ainda utilizada em Senegal. No porto de Nova Orleães, estivadores negros ficaram famosos pelas suas canções de trabalho. Essas canções mostravam complexidade rítmica com características de polirrítmica do jazz. Na tradição africana eles tinham uma linha melódica e com o padrão pergunta e resposta, contudo, sem o conceito de harmonia do Ocidente. O ritmo refletido no padrão africano da fala e o sistema tonal africano levaram às blue notes do jazz.
No começo do século XIX, um número crescente de músicos negros aprendiam a tocar instrumentos do ocidente, particularmente o violino, provendo entretenimento para os chefes das plantações e aumentando o valor de venda daqueles que ainda eram escravos. Conforme aprendiam a música de dança europeia, eles parodiavam as músicas nas suas próprias danças cakewalk. Por sua vez, apresentadores dos minstrel show, euro-americanos com blackface, estilo de maquiagem usado para sátira, popularizavam tal música internacional, a qual era combinação de síncopas com acompanhamento harmônico europeu. Louis Moreau Gottschalk adaptou música latina e melodia de escravos para músicas de piano de salão, com músicas tais como Bamboula, danse de nègres de 1849, Fantaisie grotesque de 1855 e Le Banjo, enquanto sua música polka Pasquinade, em torno do ano 1860, antecipou ragtime e foi orquestrado como parte do repertório de concerto da banda de John Philip Sousa, fundada em 1892.
Outra influência veio dos negros que frequentavam as igrejas. Eles aprenderam o estilo harmônico dos hinos e os adaptavam em spirituals. As origens do blues não estão registradas em documentos, entretanto, elas podem ser vistas como contemporâneas dos negro spirituals. Paul Oliver chamou a atenção à similaridade dos instrumentos, música e função social dos griots da savana do oeste africano, sob influência Islâmica. Ele notou estudos mostrando a complexidade rítmica da orquestra de tambores da costa da floresta temperada, que sobreviveram relativamente intacta no Haiti e outras partes do oeste das Índias mas não era farta nos Estados Unidos. Ele sugeriu que a música de cordas do interior sudanês se adaptou melhor com a música popular e baladas narrativas, dos ingleses e dos donos de escravos scots-irish e influenciaram tanto o jazz como o blues.
Décadas de 1890-1910
Ragtie
A abolição da escravidão levou a novas oportunidades para a educação dos afro-americanos que eram livres, mas a segregação racial ainda limitava muito o acesso ao mercado de trabalho. Havia exceções: ser professor, pregador ou músico; e muitos obtinham educação musical. Euro-americanos costumavam ver os músicos negros como provedores de entretenimento de "classe-inferior" nas danças e nos minstrel shows, e mais tarde o vaudeville. Várias bandas marciais foram formadas, aproveitando a disponibilidade dos instrumentos usados nas bandas do exército. Um pianista negro não podia ser aceito em salas de concertos, mas poderia ser encontrado tocando na igreja ou tinham oportunidades de trabalho em bares, clubes e bordéis de zonas de prostituição, sendo que, aqueles que liam partitura eram chamados de "professores" enquanto os outros eram tocadores(ticklers)" que tocavam marfim. Antonin Dvorák escreveu um artigo controverso, publicado em fevereiro de 1898 no Harper's New Montly Magazine, aconselhando os compositores americanos a basearem a sua música nas melodias dos negros.
As danças são normalmente inspiradas pelos movimentos de dança africanos, e foram adotadas por um público de pessoas brancas que viram as danças em vaudeville shows. O cake walk, desenvolvido por escravos como uma cópia satirizada dos bailes formais, se tornou popular. Os Cakewalks, as canções de negros e a música de Jig Bands se desenvolveram em ragtime, em 1895. Posteriormente, Tin Pan Alley, Irving Berlin começaram a incorporar o ragtime em suas composições.
O ragtime, gradualmente, se desenvolveu como música de improviso, com fontes incluindo o cakewalk, as marchas de Sousa e as peças para piano de salão, tais como as variações de Gottschalk, baseados na América Latina e nas melodias dos escravos. Apareceram registradas como partitura, através do animador Ernest Hogan, canções supostamente ditas como canções de sucesso em 1895, e dois anos mais tarde Vess Ossman gravou um medley dessas músicas no banjo solo: "Rag Time Medley".
Também em 1897, o compositor William H. Krell publicou seu "Mississippi Rag", como a primeira peça de rag escrita para piano. Scott Joplin, pianista instruído na forma clássica, produziu seu "Original Rags" no ano seguinte, então em 1899 o "Maple leaf Rag" foi um sucesso internacional. Ele compôs vários rags populares, combinando sincopação, figurações do banjo e, às vezes call-and-response, entretanto, suas tentativas no ragtime na ópera e no balé foram sem sucesso. Porém, a banda de Philip Sousa tocou ragtime em suas jornada pela Europa, de 1900 até 1905, e a linguagem "ragtime" foi continuada por compositores clássicos, incluindo Claude Debussy e Igor Stravinsky.
O suave sincopado de Irving Berlin, Tin Pan Alley marcha "Alexander's Ragtime Band" foi um hit em 1911.
A música blues foi publicada e popularizada por W. C. Handy, no qual "Memphis Blues" de 1912 e "St. Louis Blues" de 1914, se tornaram jazz standards.
Nova Orleans
Na época, diversas bandas marciais, tais como a Onward Brass Band (fundada por volta de 1880), encontraram serviço em diversas situações, particularmente em funerais luxuosos. Neles, se tocava música solene no caminho do cemitério, e posteriormente no caminho de volta eram executadas versões de músicas como a Marcha Fúnebre em estilo ragtime.
A partir do ano de 1890, o trompetista Buddy Bolden liderou uma banda que fazia apresentações em Storyville, incorporando dança Afro-criola, música com elementos de blues e adicionando swing ao ritmo, trazendo inspiração a futuros músicos de jazz. Sua carreira acabou abruptamente em 1907, antes que ele gravasse, até então não se sabe ao certo o seu estilo. Suas apresentações nos desfiles e danças de Nova Orleães parecem ter sido exemplos iniciais do improviso no jazz.
O inovador pianista afro-criolo Jelly Roll Morton começou sua carreira em Storyville, e mais tarde disse ter usado o termo jazz em 1902 quando demonstrou a diferença entre ragtime como um tipo de sincopação, adequada somente para algumas canções, e jazz como "um estilo que pode ser aplicado a qualquer tipo se canção", inclusive clássicos populares, tais como as árias de Giuseppe Verdi. De 1904, ele fez tours com shows vaudevile, em torno das cidades do sul, também tocando em Chicago e Nova Iorque.
O "Jelly Roll Blues", composta por Jelly Morton em 1905 e publicada em 1915, foi o primeiro arranjo de jazz impresso. Isso permitiu que mais músicos fossem apresentados ao estilo de Nova Orleãs. Bolden influenciou Freddie Keppard, o qual iniciou tocando por volta de 1906. Rapidamente obteve sucesso. Aproximadamente em 1917, Keppard se juntou à Bill Johnson's Original Creole Orchestra, que fazia performances em Los Angeles, California, meses antes de fazer tours em várias cidades com o vaudeville, introduzindo o estilo nas áreas do norte.
No mesmo ano a liderança estava com Joe "King" Oliver, que possuía um estilo mais relativo ao blues. Oliver tocava com o trombonista Kid Ory, e ensinava o jovem fã de Bolden Louis Armstrong. Enquanto a maioria das bandas eram afro-criolas ou negras, Papa Jack Laine era talvez o primeiro músico de jazz que não era negro. Sua banda, Reliance Brass Band, começou em 1888 e continuou com várias etnias apesar das leis de segregação.
Décadas de 1920-1930
A proibição da venda de bebidas alcoólicas nos Estados Unidos, que vigorou de 1920 a 1933, resultou na criação dos speakeasies, locais onde a bebida era vendida ilegalmente. Esses estabelecimentos acabaram sendo grandes difusores do Jazz, que, por isso, ganhou a reputação de ser um estilo musical imoral.Nesse período, em 1922, a Original Creole Jazz Band se tornou a primeira banda de Jazz de músicos negros de Nova Orléans a fazer gravações.[5][6] No entanto, era Chicago o novo centro do desenvolvimento do Dixieland, porque lá se juntaram King Oliver e Bill Jonhson. Naquele ano Bessie Smith, famosa cantora de blues, também gravou pela primeira vez.
Bix Beiderbecke formou o grupo "The Wolverines" em 1924. No mesmo ano Louis Armstrong se tornou solista da banda de Fletcher Henderson por um ano e depois formou o seu próprio grupo, o Hot Five. Jelly Roll Morton gravou com os New Orleans Rhythm Kings, e em 1926 formou os Red Hot Peppers. Na época havia um grande mercado para a música dançante influenciada pelo Jazz tocada por orquestras de músicos brancos, como a de Jean GoldKette e a de Paul Whiteman. Em 1924 Whiteman pediu ao compositor George Gershwin que ele criasse um concerto que misturasse características de Jazz com a música clássica, o que resultou na famosa Rhapsody in Blue, que foi executada na première o concerto An Experiment in Modern Music, regido por Whiteman.
Fonte: Wikipédia
Dança Cigana
Os ciganos adoram dançar. A dança nasce com eles no momento em que abrem os olhos para enfrentar a dura vida de cigano. Desde criança os ciganos ouvem e dançam as seguidillas, a rumba, as alegrias e o flamenco - ritmos e sons tradicionais - produzidos pelas guitarras, violinos, violões, acordeões, címbalos, castanholas, pandeiros, palmas das mãos e batidas dos pés, que aprendem desde cedo com parentes e amigos nas festas da kumpania (acampamento).
Não existem ciganos profissionalizados através da dança cigana e sim aqueles que fazem apresentações apenas para divulgar esse lado tão belo e cheio de magia dessa tradição que a todos fascina.
A dança cigana não é portanto, encarada como um ofício pelos ciganos. Montagens de balé e de óperas (como Carmen, de Bizet) são representadas por profissionais de balé não-ciganos (gadjes). Ciganos não freqüentam academias nem aulas de dança, pois quando dançam, o fazem com a alma, o coração e os movimentos naturais do corpo, sem nenhuma coreografia pré-concebida.
Como diz Niffer Cortez (uma das poucas dançarinas ciganas) "Marcar uma coreografia, para o cigano, é prende-lo; é não dar liberdade para os seus movimentos". Por outro lado, a Bibi Esmeralda (chefe do Grupo Kalemaskê Romae, de Pirituba/SP), é uma Puri (avó) de 65 anos e dança como uma jovem de vinte. Se a colocassem dentro de uma coreografia, com certeza, cortariam grande parte da emoção espontânea e do inestimável encanto que ela nos transmite quando dança com toda a sua desenvoltura, arte e beleza.
A história da dança oriental está intimamente ligada à história dos ciganos. Eles vieram da Índia e emigraram até a Espanha, para a região de Andaluzia. O nome espanhol dos ciganos é "gitano". O idioma dos ciganos é o romanês e contém em sua maioria palavras derivadas do antigo sânscrito (conforme pesquisa de Grellman), que era falado no noroeste da Índia. Mas por todos os países que passavam, assimilavam palavras de idiomas locais, por isso encontramos palavras do turco, grego e armênio. Em cada país eram chamados por outros nomes: Luri no Beluchistão/ Luli no Iraque / Karaki ou Zangi na Pérsia / Kauli no Afganistão / Cingan ou Tchingan na Sïria e na Turquia / Tsiganos ou Atsincani na Grécia / Roma ou Sinti na América.
A história da dança oriental está intimamente ligada à história dos ciganos. Eles vieram da Índia e emigraram até a Espanha, para a região de Andaluzia. O nome espanhol dos ciganos é "gitano". O idioma dos ciganos é o romanês e contém em sua maioria palavras derivadas do antigo sânscrito (conforme pesquisa de Grellman), que era falado no noroeste da Índia. Mas por todos os países que passavam, assimilavam palavras de idiomas locais, por isso encontramos palavras do turco, grego e armênio. Em cada país eram chamados por outros nomes: Luri no Beluchistão/ Luli no Iraque / Karaki ou Zangi na Pérsia / Kauli no Afganistão / Cingan ou Tchingan na Sïria e na Turquia / Tsiganos ou Atsincani na Grécia / Roma ou Sinti na América.
Há mais de 600 anos os ciganos emigraram para a Europa, onde se dividiram em vários grupos:
1- um grupo chegou até a Inglaterra, partindo de Bizanz (Istambul), percorrendo a Sérvia e a Itália.
2- outro grupo se dividiu deste no norte da França e foi de Paris até o norte da Espanha
3- outros se espalharam pela Moldávia até a Rússia
4- outros foram para o Egito e de lá para a Andaluzia
Tanto o povo cigano como o andaluz eram um orgulhosos por manter suas tradições. Eram muito individualistas e leais à instituição familiar. Assim nasceu a sociedade do flamenco. Esta palavra "flamenco" designava ciganos, pessoas sem posse de terra, derivado do árabe das palavras "fellahu" e "mengu", que significava "o camponês errante". A sociedade espanhola associava a esta palavra os ciganos, ou o estilo de vida cigana. Tal estilo incluía a arte da música flamenca, a dança e a tourada. 4- outros foram para o Egito e de lá para a Andaluzia
Como os ciganos eram intrusos no país, muitas leis foram feitas contra eles. Entretanto, a inquisição espanhola nunca conseguiu provar nada contra, se tinham uma religião ou não, pois eles eram espertos. A cultura dos ciganos é tida como uma cultura de estranhos e geralmente imagina-se um povo alegre e feliz, mas a música que tocavam entre si era muito trágica, triste e vingativa., pois sua vida real só era manifestada entre eles. Para o mundo de fora, só cantavam músicas alegres, que é o que se esperava realmente. Tinham uma vida difícil e tentavam ganhar dinheiro de todos os modos. Assim, aproveitavam as apresentações de música e de dança por todos os lugares que passavam, levando seus ritmos e músicas que mesclavam-se com os da cultura local. Desta forma, foram trazidos ritmos indianos mesclados com melodias islâmicas para a Andaluzia. Pode-se ouvir a nítida influência árabe na música flamenca, e também na dança, os movimentos de quadril e expressão de fortes sentimentos e emoções, são de natureza árabe.
Os ciganos acreditam que espíritos e entidades os acompanham no dia a dia. Um artista tem que esperar que um ente se aposse dele e inspire-o para que seja capaz de fazer a arte verdadeira. Este sentimento profundo criou o "canto jondo" na Andaluzia, um canto de tristeza profunda, que se contrasta com o "canto flamenco". O estilo de dança flamenca, com seus movimentos característicos de braços e de tronco, tem uma certa similaridade com a dança clássica persa, como também com a dança moderna da Ásia Central, Enquanto que na dança moderna árabe, os movimentos são centrados na região do ventre e os braços se mantém na altura dos ombros. Na dança flamenca e persa, os movimentos são centrados na região do tórax e é usado o máximo de espaço acima da cabeça para executar os graciosos
26/06/2011
Dança Cigana
Os ciganos adoram dançar. A dança nasce com eles no momento em que abrem os olhos para enfrentar a dura vida de cigano. Desde criança os ciganos ouvem e dançam as seguidillas, a rumba, as alegrias e o flamenco - ritmos e sons tradicionais - produzidos pelas guitarras, violinos, violões, acordeões, címbalos, castanholas, pandeiros, palmas das mãos e batidas dos pés, que aprendem desde cedo com parentes e amigos nas festas da kumpania (acampamento).
Não existem ciganos profissionalizados através da dança cigana e sim aqueles que fazem apresentações apenas para divulgar esse lado tão belo e cheio de magia dessa tradição que a todos fascina.
A dança cigana não é portanto, encarada como um ofício pelos ciganos. Montagens de balé e de óperas (como Carmen, de Bizet) são representadas por profissionais de balé não-ciganos (gadjes). Ciganos não freqüentam academias nem aulas de dança, pois quando dançam, o fazem com a alma, o coração e os movimentos naturais do corpo, sem nenhuma coreografia pré-concebida.
Como diz Niffer Cortez (uma das poucas dançarinas ciganas) "Marcar uma coreografia, para o cigano, é prende-lo; é não dar liberdade para os seus movimentos". Por outro lado, a Bibi Esmeralda (chefe do Grupo Kalemaskê Romae, de Pirituba/SP), é uma Puri (avó) de 65 anos e dança como uma jovem de vinte. Se a colocassem dentro de uma coreografia, com certeza, cortariam grande parte da emoção espontânea e do inestimável encanto que ela nos transmite quando dança com toda a sua desenvoltura, arte e beleza.
A história da dança oriental está intimamente ligada à história dos ciganos. Eles vieram da Índia e emigraram até a Espanha, para a região de Andaluzia. O nome espanhol dos ciganos é "gitano". O idioma dos ciganos é o romanês e contém em sua maioria palavras derivadas do antigo sânscrito (conforme pesquisa de Grellman), que era falado no noroeste da Índia. Mas por todos os países que passavam, assimilavam palavras de idiomas locais, por isso encontramos palavras do turco, grego e armênio. Em cada país eram chamados por outros nomes: Luri no Beluchistão/ Luli no Iraque / Karaki ou Zangi na Pérsia / Kauli no Afganistão / Cingan ou Tchingan na Sïria e na Turquia / Tsiganos ou Atsincani na Grécia / Roma ou Sinti na América.
A história da dança oriental está intimamente ligada à história dos ciganos. Eles vieram da Índia e emigraram até a Espanha, para a região de Andaluzia. O nome espanhol dos ciganos é "gitano". O idioma dos ciganos é o romanês e contém em sua maioria palavras derivadas do antigo sânscrito (conforme pesquisa de Grellman), que era falado no noroeste da Índia. Mas por todos os países que passavam, assimilavam palavras de idiomas locais, por isso encontramos palavras do turco, grego e armênio. Em cada país eram chamados por outros nomes: Luri no Beluchistão/ Luli no Iraque / Karaki ou Zangi na Pérsia / Kauli no Afganistão / Cingan ou Tchingan na Sïria e na Turquia / Tsiganos ou Atsincani na Grécia / Roma ou Sinti na América.
Há mais de 600 anos os ciganos emigraram para a Europa, onde se dividiram em vários grupos:
1- um grupo chegou até a Inglaterra, partindo de Bizanz (Istambul), percorrendo a Sérvia e a Itália.
2- outro grupo se dividiu deste no norte da França e foi de Paris até o norte da Espanha
3- outros se espalharam pela Moldávia até a Rússia
4- outros foram para o Egito e de lá para a Andaluzia
Tanto o povo cigano como o andaluz eram um orgulhosos por manter suas tradições. Eram muito individualistas e leais à instituição familiar. Assim nasceu a sociedade do flamenco. Esta palavra "flamenco" designava ciganos, pessoas sem posse de terra, derivado do árabe das palavras "fellahu" e "mengu", que significava "o camponês errante". A sociedade espanhola associava a esta palavra os ciganos, ou o estilo de vida cigana. Tal estilo incluía a arte da música flamenca, a dança e a tourada. 4- outros foram para o Egito e de lá para a Andaluzia
Como os ciganos eram intrusos no país, muitas leis foram feitas contra eles. Entretanto, a inquisição espanhola nunca conseguiu provar nada contra, se tinham uma religião ou não, pois eles eram espertos. A cultura dos ciganos é tida como uma cultura de estranhos e geralmente imagina-se um povo alegre e feliz, mas a música que tocavam entre si era muito trágica, triste e vingativa., pois sua vida real só era manifestada entre eles. Para o mundo de fora, só cantavam músicas alegres, que é o que se esperava realmente. Tinham uma vida difícil e tentavam ganhar dinheiro de todos os modos. Assim, aproveitavam as apresentações de música e de dança por todos os lugares que passavam, levando seus ritmos e músicas que mesclavam-se com os da cultura local. Desta forma, foram trazidos ritmos indianos mesclados com melodias islâmicas para a Andaluzia. Pode-se ouvir a nítida influência árabe na música flamenca, e também na dança, os movimentos de quadril e expressão de fortes sentimentos e emoções, são de natureza árabe.
Os ciganos acreditam que espíritos e entidades os acompanham no dia a dia. Um artista tem que esperar que um ente se aposse dele e inspire-o para que seja capaz de fazer a arte verdadeira. Este sentimento profundo criou o "canto jondo" na Andaluzia, um canto de tristeza profunda, que se contrasta com o "canto flamenco". O estilo de dança flamenca, com seus movimentos característicos de braços e de tronco, tem uma certa similaridade com a dança clássica persa, como também com a dança moderna da Ásia Central, Enquanto que na dança moderna árabe, os movimentos são centrados na região do ventre e os braços se mantém na altura dos ombros. Na dança flamenca e persa, os movimentos são centrados na região do tórax e é usado o máximo de espaço acima da cabeça para executar os graciosos movimentos de braços e mão.
24/06/2011
Vamos ver como começou o Flamengo, uma das danças mais lindas do mundo
Flamenco
O flamenco é a música e a dança espanhola cujas origens remontam às culturas cigana e mourisca, com influência de árabes e judeus. A cultura do flamenco é associada principalmente à região da Andaluzia na Espanha, e tornou-se um dos símbolos da cultura espanhola.O "novo flamenco" é uma variação recente do flamenco que sofreu influências da música moderna, como a rumba, a Salsa, o pop, o rock e o jazz.
Originalmente, o flamenco consistia apenas de canto (cante) sem acompanhamento. Depois começou a ser acompanhado por guitarra (toque), palmas, sapateado e dança (baile). O "toque" e o "baile" podem também aparecer sem o "cante", embora o canto permaneça no coração da tradição do flamenco. Mais recentemente outros instrumentos como o "cajón" (ou adufe, em português uma caixa de madeira usada como percussão) e as castanholas foram também introduzidos.
Muitos dos detalhes do desenvolvimento do flamenco foram perdidos na história da Espanha e existem várias razões para essa falta de evidências históricas:
- Os tempos turbulentos dos povos envolvidos na cultura do flamenco. Os mouros, os ciganos e os judeus foram todos perseguidos pela inquisição espanhola em diversos tempos
- Os ciganos possuíam principalmente uma cultura oral. As suas músicas eram passadas às novas gerações através de actuações em comunidade
- O flamenco não foi considerado uma forma de arte, sobre a qual valesse a pena escrever durante muito tempo. Durante a sua existência, o flamenco esteve dentro e fora de moda por diversas vezes.
Foi nesta situação social e economicamente difícil que as culturas musicais de judeus, ciganos e mouros começaram a fundir-se no que se tornaria a forma básica do flamenco: o estilo de cantar dos mouros, que expressava a sua vida difícil na Andaluzia, as diferentes "compas" (estilos rítmicos), palmas ritmadas e movimentos de dança básicos. Muitas das músicas flamencas aindas reflectem o espírito desesperado, a luta, a esperança, o orgulho e as festas nocturnas durante essa época. Música mais recente de outras regiões de Espanha, influenciaram e foram influenciadas pelo estilo tradicional do flamenco.
A primeira vez que o flamenco foi mencionado na literatura, remonta a 1774 no livro "Cartas marruecas" de José Cadalso. No entanto a origem do termo "flamenco" continua a ser assunto bastante debatido. Muitos pensam que se trata de um termo espanhol que originalmente significava flamengo ("flamende"). Contudo, existem outras teorias. Uma das quais, sugere que a palavra tem origem árabe, retirada das palavras "felag mengu" (que significa algo como "camponês de passagem" ou fugitivo camponês")
Durante a chamada época de ouro do flamenco, entre 1869 e 1910, o flamenco desenvolveu-se rapidamente nos chamados "cafés cantantes". Os dançarinos de flamenco também se tornaram numa das maiores atrações para o público desses cafés. Ao mesmo tempo, os guitarristas que acompanhavam esses dançarinos, foram ganhando reputação e dessa forma, nasceu, como uma arte própria, a guitarra do flamenco. Julián Arcas foi um dos primeiros compositores a escrever música flamenca especialmente para a guitarra.
A guitarra flamenca, e a muito parecida guitarra clássica, são descendentes do alaúde. Pensa-se que as primeiras guitarras teriam aparecido em Espanha no século XV. A guitarra de flamenco tradicional é feita de madeira de cipreste e abeto, é mais leve e um pouco menor que a guitarra clássica, com o objectivo de produzir um som mais agudo.
Em 1922, um dos maiores escritores espanhóis, Federico García Lorca e o compositor de renome Manuel de Falla organizaram a "Fiesta del cante jondo", um festival de música folclórica dedicada ao "cante jondo". Fizeram-no a fim de estimular o interesse no flamenco que nessa altura estava fora de moda. Dois dos mais importantes poemas de Lorca, "Poema del cante jondo" e Romancero gitano", mostram a fascinação que este tinha pelo flamenco.
Categorias do flamenco
O flamenco é atualmente dividido em três categorias:- Flamenco Jondo ou flamenco antigo, é a forma mais tradicional do flamenco.
- Flamenco Clássico, tocado de forma mais moderna que utiliza técnicas novas tanto para a guitarra flamenca quanto para a dança flamenca e para o cante flamenco.
- Flamenco contemporâneo, trata-se do flamenco jondo e clássico somados ao jazz e ao fusion.
• Soleá
• Malagueña
• Bulerias
• Bolero
• Calliano
• Rumbas
• Sevillanas
• Jondo
• Tientos
• Tarantas
Os autores mais conhecidos do flamenco na atualidade são:
Paco de Lucia → Guitarra flamenca Jondo, Clássica e Contemporânea.
Camarón de la Isla → Cante flamenco Jondo e Clássico.
Vicente Amigo → Guitarra flamenca Jondo, Clássica e Contemporânea.
Tomatito → Guitarra flamenca Jondo e Clássica.
Niña Pastori → Cante flamenco clássico.
Paco Peña → Guitarra Flamenca Jondo e Clássica.
José Mercé → Cante flamenco jondo.
Rocío Márquez → Cante flamenco.
Fonte: Wikipédia
Dança Flamenca.
Coisa boa é dançar, não é? A dança flamenca é uma ótima opção para quem gosta de ritmos”mais calientes”.
Por isso, o Flamenco é um estilo musical e um tipo de dança fortemente influenciado pela cultura cigana, mas que tem raízes mais profundas na cultura musical mourisca. A cultura do flamenco é originária da região Espanhola da Andaluzia, mas tornou-se um dos ícones da música e cultura deste país em geral.
A dança flamenca surgiu aproximadamente no do século XVIII, mas veio a se expandir por volta do século XIX, conquistando fãs e adeptos em várias culturas e partes do mundo.
Taconeios, castanholas, não é difícil identificar esta cadência. A dança flamenca, é considerada uma expressão artística que retrata as alegrias e tristezas da vida, tudo com muito vigor.
Esta dança é precursora em tirar o som dos pés. Os sapatos são específicos para este tipo de dança, no solo usam uma parte metalizada.
No período de três meses o aluno já faz os passos básicos. Mas leva alguns anos para adquirir velocidade e beleza nos movimentos.
O esforço vale a pena. Muita sensualidade, coordenação motora, velocidade e bem estar são um dos benefícios para quem deseja perder aqueles quilinhos indesejáveis.Uma boa pedida!!
Nos passos do flamencoA Associação Cultural de Dança Espanhola Cuadra Flamenca chegou na Vila Madalena com uma proposta inovadora. Muito mais do que ser apenas uma academia de dança, veio com o objetivo de trazer a cultura espanhola para a comunidade e para quem frequenta o bairro, através também da música e de workshops teóricos sobre flamenco, artes, literatura e eventos.
Sob a assinatura “um espaço para viver o flamenco”, a Associação foi idealizada por Vera Alejandra e Pricila Assuar, que reúnem 20 anos de experiência como coreógrafas, bailarinas e professoras, e por Ana Biglione, diretora executiva do grupo. “A Cuadra Flamenca surgiu da necessidade que sentíamos de criar um ambiente agradável que possibilitasse, além da prática da arte flamenca, um intenso contato do público com o universo flamenco e um intercâmbio de conhecimento entre apreciadores desta manifestação cultural”, observa Vera.
Culturas
O flamenco surgiu da mistura de culturas diferentes que se estabeleceram na Espanha, como a cultura dos árabes, dos indianos e dos ciganos. Estes últimos, como conta Vera, chegaram ao Sul da Espanha e se identificaram com o povo Andaluz: “Nos resto do país há vários outros tipos de danças, são várias vertentes que fazem parte da cultura espanhola, e o flamenco é uma delas”.
Entre as principais atividades oferecidas pela Cuadra Flamenca estão os cursos regulares de dança flamenca e trabalhos corporais complementares, workshops de dança flamenca, de música, workshops teóricos sobre a cultura espanhola e formação de grupos amadores e profissionais, organização de shows e eventos de flamenco. O espaço conta com duas salas estruturadas para sapateado, com capacidade para quinze alunos cada, e uma terceira sala pequena para grupos reduzidos e aulas particulares. Uma biblioteca, arquivos, banco de dados e uma videoteca também fazem parte desse espaço.
“Queremos trazer um pouco mais desse mundo para as pessoas que estão frequentando as aulas regulares”, diz Ana, ressaltando a bagagem dos professores que fazem parte da Associação Cuadra Flamenca. Vera, por exemplo, tem extensa formação no Brasil e no exterior, e nos últimos 15 anos trabalhou como preparadora corporal, coreógrafa, atriz e bailarina em shows de diversos artistas, entre eles, “Nas raias da loucura”, espetáculo de Claudia Raia; “Brida”, com direção de Luis Carlos Maciel, e a novela “Barriga de aluguel”, de Glória Perez.
Já Priscila é neta de espanhóis e o interesse pela origem cultural de sua família fez com que começasse a estudar e a trabalhar com a dança espanhola. Em busca de constante aperfeiçoamanto, viaja anualmente para a Espanha onde estuda com vários maestros de renome. Priscila também trabalha na área de teatro empresarial para várias multinacionais.
A Associação Cultural de Dança Espanhola Cuadra Flamenca já está em atividade. E se você quiser aprender e fazer uma atividade que só traz benefícios ao corpo e à mente, aproveite para seguir os passos da dança e da cultura espanhola.
Fonte: Guia da Vila
Esportes radicais nas férias
Nas férias de julho estão chegando. Por mais que o friozinho seja um convite irrecusável para dar aquele abraço no travesseiro e no edredom, você pode ter momentos mais ativos e produtivos enquanto está afastado das salas de aula. Por isso, se você está de bobeira em casa, mesmo que apenas durante um final de semana, espante a preguiça e dê um pouco de aventura à sua vida praticando esportes...radicais. Ao contrário dos joguinhos de cartas ou de xadrez - muito convidativos no inverno -, os esportes radicais servem como verdadeiras "descargas de energia" ajudando você não só a relaxar, mas também, a queimar calorias. Ou seja, de quebra, você também pode ficar mais "leve" durante um final de semana de aventura.O bom de tudo isso é que, se você curtiu a idéia, nem vai precisar se preocupar em gastar muito ou andar por aí atrás de agências que ofereçam roteiros descolados, basta dar uma olhada nos pacotes turísticos disponíveis nas agências experimentais de turismo, aquelas mantidas por algumas instituições de Ensino Superior que oferecem graduação em Turismo. (Saiba mais lendo a matéria Turismo bom e barato).
Para quem está em São Paulo, por exemplo, procurar a Universidade Metodista pode ser uma boa opção. Além de montar pacotes radicais em cidades como Brotas, Socorro e Analândia - famosas pelo turismo de aventura -, neste mês de julho, a instituição está oferecendo um final de semana no Petar - Parque Estadual Turístico do Alto Ribeira, em São Paulo. Nos dias 1º e 2 de julho os turistas poderão conhecer o local que abriga 215 cavernas, por meio da atividade chamada de "caving" - exploração de cavernas. Durante o circuito, os turistas passarão por trilhas e cachoeiras. As despesas com hospedagem e alimentação estão todas inclusas no pacote que, por pessoa, custa R$ 370,00. "Universitários chorões podem ter um desconto ou um parcelamento do valor", diz o coordenador da agência experimental de Turismo da Metodista, Thales Navarro Alves Monteiro.
Mas o que são e de onde surgiram os esportes radicais? Tais esportes são assim considerados pois oferecem mais riscos do que os esportes em geral, o que os torna mais emocionantes, já que exigem um maior esforço físico e maior controle emocional. Eles também são assim chamados porque estão envolvidos em situações extremas de limite físico ou psicológico dos participantes. No início, eram considerados esportes radicais a prática do paraquedismo, snow board e vôo livre. Com o tempo, atividades como o rafting, trekking, cannoying, verticália, entre outras, foram incorporadas à lista dos esportes de aventura.
Segundo especialistas, estas atividades fazem muito bem à saúde, mas exigem um certo preparo físico. Por isso, antes de investir em qualquer uma destas práticas o "atleta de plantão" deve se informar do que é preciso saber ou fazer para exercitar-se com segurança. O professor de Educação Física e Turismo da São Judas, que ministra as disciplinas de Lazer e Recreação, Luiz Aurélio Sham Lian, reforça ainda que, antes de se infiltrar em uma das modalidades, o praticante deve se informar sobre a qualidade e a idoneidade da empresa que oferece este tipo de prática. "Isso ajuda não apenas a evitar acidentes, como também, a orientar os praticantes a se sair melhor durante a prática do exercício."
Além do cuidado excessivo com a segurança - pelo perfil destas práticas esportivas -, há algumas restrições quanto ao perfil dos praticantes dos esportes de aventura. Segundo o diretor-presidente da águas Radicais, Antônio Robes Neto, graduado em Educação Física, embora a prática de atividades físicas seja bem-vinda a toda e qualquer pessoa, no caso dos esportes radicais, devem ser observados cuidados especiais com cardiopatas, hipertensos, grávidas, pessoas com distúrbios ou problemas de vertigens e desmaios freqüentes. "Há uma atenção especial a estes grupos de pessoas, mas todas as atividades são totalmente monitoradas por profissionais capacitados e responsáveis, prontos para atender as mais diversas eventualidades", diz.
Por que praticar?
Na maior parte dos casos, o principal motivo das pessoas abandonarem o conforto das grandes cidades para praticar esportes radicais é a fuga da monotonia do dia-a-dia de uma cidade grande. A prática destas atividades funciona como uma válvula de escape para o stress urbano, originado por excesso de trabalho, má alimentação, violência, trânsito. "Os benefícios do lazer proporcionado por tais práticas causam uma sensação de bem-estar momentâneo muito forte. ? mais ou menos o que acontece quando se desce por um tobogã ou por uma montanha-russa", compara Sham Lian.
Tais práticas são consideradas ainda estimulantes graças ao excesso de adrenalina liberado pelo corpo. Além disso, proporcionam um aumento da autoconfiança dos praticantes que conseguem superar obstáculos impostos por estes esportes. "Tais esportes liberam uma dose elevada de adrenalina que, após o término da atividade, causa uma sensação de relaxamento", acrescenta Robes Neto.
Não é de se espantar que, depois do susto, o atleta fique calminho, calminho. Mas a "terapia de choque" contra o estresse não é o único benefício da prática dos esportes de aventura. Atividades como o trekking, o rapel e o cannoying, por exemplo, apresentam várias qualidades. Uma delas é indiscutível: essas atividades trabalham diversos músculos do corpo e é cientificamente provado que as atividades físicas diminuem o risco de algumas doenças, além de aumentar a longevidade das pessoas. "Os esportes radicais melhoram a condição motora, a destreza de movimentos, aumentam a força muscular, melhoram a flexibilidade, o eqüilíbrio e deixam a concentração aguçada", ressalta o diretor presidente da empresa águas Radicais.
A prática dos esportes de aventura pode auxiliar ainda na perda de peso. Quem não se lembra da escalada? Uma prática pioneira entre os esportes radicais considerada inimiga do excesso de calorias. Chegando a queimar cerca de 12 calorias por minuto, ela foi incorporada aos exercícios físicos oferecidos nas academias. ? claro que nem tudo é simples assim, um final de semana não vai ser o "fator x" de um regime milagroso, esportes radicais devem ser feitos regularmente para fazer "efeito". "Com uma freqüência de pelo menos três vezes na semana, aliada à uma dieta alimentar, com certeza o praticante terá uma perda de gordura corporal considerável", afirma Robes Neto.
Saiba de que forma cada um destes esportes atua no seu corpo:
Trekking
Para fazer o trekking, o atleta vai precisar de muito fôlego, disposição, resistência e pernas fortes. Do contrário, a caminhada pode ser um martírio. Isto porque o trekking não é nada simples. Em geral, as trilhas passam por pedras e rios, subidas e descidas dentro da mata. Neste caso, além do preparo físico, vale uma ajudinha de equipamentos importantes como tênis ou papete apropriados, repelente e protetor solar. São trabalhados os músculos inferiores (pernas, glúteos e panturrilhas).
Rafting O rafting, famosa descida de corredeiras de rios com um bote, exige agilidade, concentração e uma força extra nos braços, uma vez que o praticante vai ter que remar muito, especialmente se as águas do rio estiverem mais tranqüilas, o que deixa o bote mais pesado e difícil de manejar. Nesta atividade, são trabalhados os músculos inferiores, superiores, a musculatura dorsal e lombar (pernas, bíceps, tríceps, trapézio, deltóides, rombóides).
Cannoying
Os leigos podem achar que cannoying nada mais é que um simples estrangeirismo dado à prática da canoagem. Mas não é nada disso. A atividade consiste na exploração de uma furna escavada por um curso d'água esculpindo no relevo cachoeiras, vales e montanhas. Para explorarÿ o Canyon - daí o nome cannoying -, utiliza-se a técnica de rapel (descida feita por corda), pela qual os praticantes descem cachoeiras de várias alturas. A prática trabalha os músculos inferiores e superiores, basicamente: pernas, glúteos, panturrilhas, bíceps e tríceps.
Bóia-cross Quem nunca desceu um rio ou conheceu alguém que já embarcou nesta aventura usando apenas uma simples câmara de pneu de caminhão? Pois é, desta brincadeira improvisada surgiu uma das atividades mais procuradas pelos turistas que visitam Brotas, ponto turísitico dos esportes radicais. Mais sofisticado do que a brincadeira do passado, hoje, o passeio é chamado de bóia-cross. As bóias são anatômicas, encapadas e com alças laterais para maior segurança aos adeptos da atividade. O bóia-cross trabalha os músculos inferiores, com enfâse nos músculos superiores (braços e peitorais).
Arvorismo
O arvorismo é um esporte recente, criado a partir das técnicas utilizadas por pesquisadores para se locomover em florestas na altura da copa das árvores. Plataformas com até 9 metros de altura, interligadas por cabos de aço, viram uma espécie de trilha nos ares para os praticantes do esporte. A dificuldade vai aumentando à medida que a pessoa avança de uma plataforma a outra. O equipamento utilizado é o mesmo do rapel: cadeirinha, mosquetões, roldana, capacete e luvas. A segurança é garantida pela chamada "solteira": uma corda que liga a cadeirinha do praticante a uma roldana presa num cabo de aço. Além de utilizar todos os músculos, a verticália exige equilíbrio e concentração do praticante. Caso você ainda não tenha se convencido do benefício em praticar os esportes de aventura, saiba que por necessitarem de um trabalho conjunto e da confiança dos esportistas uns nos outros, trata-se de um excelente exercício para incentivar o trabalho em equipe. Por essa razão tem levado grandes empresas a promover tais práticas para seus funcionários. Além disso, por conta das belezas naturais que, neste caso, são vistas bem de perto, estes esportes despertam a consciência ambiental nos praticantes.
Onde praticar
Brotas, em São Paulo, é o mais conhecido destino para quem pretende praticar os esportes de aventura, seguido por Socorro e Analândia, também populares por oferecerem este tipo de atividade. Mas não é só em São Paulo que você encontra lugares interessantes para viver experiências radicais. No Paraná, por exemplo, Campos Gerais e Ribeirão Claro, são outros destinos muito explorados pelos turistas aventureiros. No estado de Minas Gerais, Três Rios é um dos locais mais procurados para a prática do rafting. Trekking e trilhas de moutain bike também são comuns em Petrópolis, no Rio de Janeiro. No fim das contas, são muitas as opções Brasil afora. Escolha o esporte e seu destino e divirta-se.
Fonte:UNIVERSIA NOTICIAS BRASIL
18/06/2011
Vamos falar um pouco de algo que tanto alegra o ser humano, a Dança.
Veremos como começou o balé clássico, uma das danças mais lindas e perfeitas do mundo, até os dias de hoje. Antes, de colocar qualqueer matéria a esse respeito vejamos quais os benefícios que a dança traz.
Dança traz benefícios à saúde do corpo e da mente
A coreografia é dada e, com ou sem música, os alunos a repetem, descobrindo novas possibilidades em seu próprio corpo. A dança, que está nas festas, nas ruas e até em quem não sabe dançar, traz a mistura da arte e do exercício físico - muitas vezes intenso - que pode agregar saúde, bem-estar e conhecimento do corpo a quem pratica. O diretor da Sociedade Brasileira Medicina do Esporte, Samir Daher, destaca a dança como uma atividade física com grande gasto de energia e utilização da musculatura e articulações. "É uma atividade aeróbica e focada em pontos específicos do corpo, que variam de acordo com o tipo da atividade", esclarece Daher. "Em geral, mexe com frequência cardíaca, musculatura esquelética e articulações, podendo ser uma boa aliada para se perder peso. Uma hora de dança pode gastar em média de 300 a 400 calorias. Dependendo do tipo e intensidade do movimento, até mais."
Para Daher, é preciso tomar alguns cuidados para evitar dores nos joelhos, coluna e tendinites, já que a atividade provoca um movimento repetitivo nas articulações, principalmente em pessoas acima do peso. O médico destaca a importância do alongamento, normalmente feito antes das aulas, e alerta que se a intensidade da prática de dança for muito intensa, exigindo horas de dedicação e mais de duas vezes na semana, é recomendada uma preparação da musculatura e do condicionamento. Fora isto, a dança pode ser praticada por pessoas de todas as idades e perfis.
"A dança, como atividade física, libera endorfina, substância relacionada ao prazer", afirma o médico. "Ninguém dança de cara fechada e, normalmente, termina a atividade mais alegre. É um exercício que interliga mente e corpo."
Ao contrário do que muita gente pensa, não é apenas a dança de salão, facilmente encontrada nas noites cariocas, ou o balé clássico que estão entre as opções para uma atividade física que mexe com a alma e o corpo. O leque de atividades é variado, indo da dança contemporânea, às relacionadas à cultura popular brasileira, como jongo, maracatu e frevo, ou as com origem em rituais religiosos, como a dos orixás. Entre outras opções como danças flamenca, indiana, do ventre, hip hop e jazz.
A coordenadora da Escola de Dança da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), Katya Gualter, explica que a dança de salão exige mais dos membros inferiores, tornozelos e pés, além de trabalhar a agilidade e coordenação motora. O balé também força mais os membros inferiores, tem os pés como base e melhora a postura. A contemporânea, segundo a professora, trabalha todo o corpo tendo várias bases de sustentação.
De acordo com Katya Gualter, a dança traz um diferencial frente a outras atividades físicas, que é a possibilidade de criação e necessidades do corpo. Para a professora, a dança é também uma atividade de desenvolvimento pessoal. "Ao investigar o movimento, a pessoa passa a entender que ela não tem um corpo, mas ela é o seu corpo. Cada um traz o seu jeito de se movimentar que está ligado a pessoa. Entendendo o seu corpo, você passa a se entender melhor também", diz.
A coordenadora do centro de movimento Débora Colker, Maria Elvira Machado, comenta que a atividade ultrapassa a repetição dos movimentos. Segundo ela, a escola já recebeu, inclusive, alunos com deficiências por recomendação médica para desenvolvimento da coordenação e do sistema cognitivo.
"Às vezes, em uma academia, você não tem a consciência do movimento e uma integração com o ambiente e com as pessoas do local. Na dança, você muda a sua rotina, dependendo da música o aluno se envolve mais e tem uma interação mais intensa", comenta. Sobre o aspecto de expressão corporal e sentimental da dança, a professora de dança flamenca, Izabel Moratti, complementa que "na dança flamenca, por exemplo, você tem os aspectos do feminino, da força, do orgulho. É passional, você vira, bate o pé, desestressa. Todos esses aspectos e sentimentos, além de você estar fazendo algo bonito, mexem com a autoestima da pessoa que pratica."
"A dança, como atividade física, libera endorfina, substância relacionada ao prazer", afirma o médico. "Ninguém dança de cara fechada e, normalmente, termina a atividade mais alegre. É um exercício que interliga mente e corpo."
Ao contrário do que muita gente pensa, não é apenas a dança de salão, facilmente encontrada nas noites cariocas, ou o balé clássico que estão entre as opções para uma atividade física que mexe com a alma e o corpo. O leque de atividades é variado, indo da dança contemporânea, às relacionadas à cultura popular brasileira, como jongo, maracatu e frevo, ou as com origem em rituais religiosos, como a dos orixás. Entre outras opções como danças flamenca, indiana, do ventre, hip hop e jazz.
A coordenadora da Escola de Dança da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), Katya Gualter, explica que a dança de salão exige mais dos membros inferiores, tornozelos e pés, além de trabalhar a agilidade e coordenação motora. O balé também força mais os membros inferiores, tem os pés como base e melhora a postura. A contemporânea, segundo a professora, trabalha todo o corpo tendo várias bases de sustentação.
De acordo com Katya Gualter, a dança traz um diferencial frente a outras atividades físicas, que é a possibilidade de criação e necessidades do corpo. Para a professora, a dança é também uma atividade de desenvolvimento pessoal. "Ao investigar o movimento, a pessoa passa a entender que ela não tem um corpo, mas ela é o seu corpo. Cada um traz o seu jeito de se movimentar que está ligado a pessoa. Entendendo o seu corpo, você passa a se entender melhor também", diz.
A coordenadora do centro de movimento Débora Colker, Maria Elvira Machado, comenta que a atividade ultrapassa a repetição dos movimentos. Segundo ela, a escola já recebeu, inclusive, alunos com deficiências por recomendação médica para desenvolvimento da coordenação e do sistema cognitivo.
"Às vezes, em uma academia, você não tem a consciência do movimento e uma integração com o ambiente e com as pessoas do local. Na dança, você muda a sua rotina, dependendo da música o aluno se envolve mais e tem uma interação mais intensa", comenta. Sobre o aspecto de expressão corporal e sentimental da dança, a professora de dança flamenca, Izabel Moratti, complementa que "na dança flamenca, por exemplo, você tem os aspectos do feminino, da força, do orgulho. É passional, você vira, bate o pé, desestressa. Todos esses aspectos e sentimentos, além de você estar fazendo algo bonito, mexem com a autoestima da pessoa que pratica."
Indo além da dança a dois e dos bailes, a integração com um novo grupo e a autoestima também são pontos destacados na prática da dança. "Eu já fazia balé clássico e comecei na dança contemporânea porque me identifico mais com os movimentos", comenta Stephane Deluca, com as faces rubras no fim da aula de dança contemporânea, do Centro de Movimento Débora Colker. "Na contemporânea você explora todo o espaço disponível, alterna com frequência entre lentidão e rapidez, tem mais contato com o chão. Além de mexer muito com a emoção. Quando chego aqui sinto que coloco tudo pra fora", desabafa Stephane.
Fonte: Oficina da Moda
18/06/2011
Vamos falar um pouco de algo que tanto alegra o ser humano, a Dança.
Veremos como começou o Balé Clássico, uma das danças mais lindas e perfeitas do mundo, até os dias de hoje.
O termo Balé ou Ballet refere-se a uma modalidade de dança e à sua execução. Esta expressão provém do italiano ballare, com o sentido de ‘bailar’. Ele nasceu justamente na Itália, em pleno Renascimento. Sua origem remonta às apresentações de um estilo teatral conhecido como pantomima, no qual os atores só se expressavam através da fisionomia e de movimentos corporais, normalmente sem preparo prévio.
A experiência foi tão marcante para a rainha que, em 1581, ela criou o Ballet Cômico da Rainha, para uma nova aliança matrimonial, a de sua irmã. A partir de então, a França tornou-se o cenário ideal para o florescer desta dança. Neste país, em 1661, instituiu-se a Academia Real de Dança e, em 1713, foi inaugurada a Escola de Dança da Ópera. O Balé revestiu-se de uma aura nobre, uma vez que até mesmo o Rei Luiz XIV, em sua infância, chegou a cursar aulas desta dança clássica, exibindo-se diante da Corte ao completar 12 anos. Algum tempo depois, o monarca criou a Académie de Musique et de Danse, eliminada em 1780.
A partir de 1830, teve início a fase do balé romântico, com espetáculos como Giselle. Quando esta era entrou em declínio, o pólo de criação deslocou-se de Paris para São Petersburgo, na Rússia. Foi um russo, Serge Diaghilev, que inaugurou o período do balé moderno, com uma companhia própria. Neste cenário apareceram artistas que se tornariam famosos, como Pavlova, Nijinsky, entre outros. Era o impulso inicial para a geração da Escola Russa de Balé, que se disseminaria principalmente pelos EUA e pela Inglaterra. Na década de 60, consagra-se o Bolshoi de Moscou, até hoje celebrado em todo o mundo.
Os balés de repertório, muito comuns, são aqueles que se inspiram em temas musicais famosos, por isso mesmo responsáveis pelo sucesso das companhias que deles extraíram a essência necessária para a montagem de seus espetáculos, principalmente no solo europeu. Algumas destas montagens mais célebres são Coppélia, de Léo Delibes; O Pássaro de Fogo, de Igor Stravinsky; O Quebra-Nozes e O Lago dos Cisnes, ambos de Tchaikovsky.
Em nosso país, o primeiro espetáculo de balé clássico foi montado em 1813, no Rio de Janeiro, nos palcos do Real Teatro de São João, com a direção de Lacombe. Mas esta arte só floresceu no Brasil no século seguinte, com a celebração das companhias russas de Diaghilev e de Pavlova, na mesma cidade, só que agora no Teatro Municipal. Posteriormente, nasceram talentos como os de Dalal Achcar, Márcia Haydée, Tatiana Leskova, Ana Botafogo, entre outros.
Fonte: Info Escola
Sem ofuscar a beleza de Osipova e Bolotin, mas com um brilho próprio de uma estrela de alta grandeza, Stephanine Ricciardi, a acreana de 21 anos, também teve fez uma excelente participação na noite de gala do 26º Festival de Dança de Joinville.
Acostumada a grandes eventos, a brasileira que já foi aplaudida em pé em abril de 2006 após sua apresentação como bailarina principal no espetáculo Quebra Nozes, no Teatro de Florianópolis e no mesmo ano participou do 7º Festival Youth America Grand Prix em Nova Iorque, fez bonito na sua participação na Noite de Gala do FD de 2008.
Stephanie faz parte da Cia. Jovem da Escola do Teatro Bolshoi no Brasil, cediada aqui em Joinville. É uma das primeiras bailarinas do Bolshoi no Brasil e no final de 2007 formou-se em dança clássica. No espetáculo Don Quixote a bailarina fez a rainha das Dríades, momento em que Don Quixote sonha com sua amada e também a parte mais clássica do balé.
Sob a orientação das professoras Lina Márcia de Andrade e Lílian Pinho, Stephanie começou sua carreira na Academia Dançando no Ritmo, em Rio Branco, Acre. Com apenas 13 anos ingressou na Escola de Dança Mônica Tenori, em Vitória – ES. Nine como é conhecida pelos amigos mora há 2 anos em Joinville e hoje é uma das inegrantes mais ativas do Bolshoi, no Brasil.
Fonte Cotidiano Joinville
22 de Agosto . 21h
THIAGO SOARES – Balé Clássico
Nascido em Niterói em 1981, Thiago Soares aos 16 anos começou a estudar dança e no ano seguinte já era premiado no Concurso Internacional de Dança de Paris. Ingressou no corpo de baile do Theatro Municipal e viajou pelo mundo participando de diversos concursos de dança, como o do Ballet de Bolshoi onde se consagrou com a medalha de ouro. Em 2002, ingressou no Royal Ballet de Londres e em pouco tempo alcançou o posto de primeiro bailarino, dividindo o palco com algumas das maiores bailarinas do mundo. Em sua turnê em 2008, ele apresenta sempre acompanhado de grandes estrelas da dança mundial, as coreografias “Gran pas de Corsário”, “Les borjouis”, de de Be van Cawenberg e “Romeo e Julieta pas de deux”, coreografia de Keneth Macmillan, o mais cobiçado e famoso pas de deux feito por um coreógrafo inglês.
22 de Agosto . 21hTHIAGO SOARES – Balé Clássico
Nascido em Niterói em 1981, Thiago Soares aos 16 anos começou a estudar dança e no ano seguinte já era premiado no Concurso Internacional de Dança de Paris. Ingressou no corpo de baile do Theatro Municipal e viajou pelo mundo participando de diversos concursos de dança, como o do Ballet de Bolshoi onde se consagrou com a medalha de ouro. Em 2002, ingressou no Royal Ballet de Londres e em pouco tempo alcançou o posto de primeiro bailarino, dividindo o palco com algumas das maiores bailarinas do mundo. Em sua turnê em 2008, ele apresenta sempre acompanhado de grandes estrelas da dança mundial, as coreografias “Gran pas de Corsário”, “Les borjouis”, de de Be van Cawenberg e “Romeo e Julieta pas de deux”, coreografia de Keneth Macmillan, o mais cobiçado e famoso pas de deux feito por um coreógrafo inglês.
Fonte: Secretária da Cultura - Governo da Bahia
Qual é a origem da dança do ventre?
Há várias hipóteses, mas é provável que tenha derivado de um certo tipo de dança pélvica, que ainda pode ser encontrada em algumas regiões do Oriente Médio e do norte da África. "A dança pélvica é tradicionalmente praticada pelas mulheres desde a antigüidade", afirma a escritora e dançarina Wendy Buonaventura, autora de Serpent of the Nile: Women & Dance in the Arab World (Serpente do Nilo: As Mulheres e a Dança no Mundo Árabe, inédito no Brasil). "É quase certo que essa dança tinha conexões com ritos de fertilidade e também com alguns movimentos feitos durante o parto, para ajudar no nascimento da criança." De qualquer forma, foi no Egito que essa forma mais primitiva da dança do ventre ganhou sofisticação, para depois se tornar parte da cultura árabe, na qual é conhecida como Raqs Al Baladi ("Dança do Povo"). É o jeito comum de as pessoas dançarem e acontece em praticamente todos os encontros sociais importantes.
Nos casamentos, a presença de uma dançarina é mais do que desejável. "Ela dança para entreter os convidados, mas também tem que posar para fotos ao lado da noiva e do noivo. Depois, o casal coloca cada qual uma das mãos sobre o ventre da dançarina, como forma de garantir uma união frutificante", diz Buonaventura . A dança do ventre é feminina por excelência. "Os homens têm uma dança própria, sacudindo os ombros e os quadris, mas sem rebolados complexos como a das mulheres." Outro privilégio delas é o zagreet - aquele som ululante , emitido com voz aguda e entrecortada. "É uma forma de estímulo entre as dançarinas, uma demonstração de que está gostando do que a outra está fazendo", diz a especialista.
Fonte: Mundo Estranho
Dança do ventre
A dança do ventre é uma famosa dança praticada originalmente em diversas regiões do Oriente Médio e da Ásia Meridional. De origem primitiva e nebulosa, datada entre 7000 e 5000 a.C,[1] seus movimentos aliados a música e sinuosidade semelhante a uma serpente foram registrados no Antigo Egito, Babilônia, Mesopotâmia, Índia, Pérsia e Grécia, e tinham como objetivo preparar a mulher através de ritos religiosos dedicados a deusas para se tornarem mães. Com a invasão dos árabes, a dança foi propagada por todo o mundo.[2] A expressão dança do ventre surgiu na França, em 1893.[3] No Oriente é conhecida pelo nome em árabe raqṣ sharqī[4] (رقص شرقي, literalmente "dança oriental"), ou raqṣ bládi (رقص بلدي, literalmente "dança da região", e, por extensão, "dança popular"), ou pelo termo turco çiftetelli (ou τσιφτετέλι, em grego).
É composta por uma série de movimentos vibrações, impacto, ondulações e rotações que envolvem o corpo como um todo.[5] Na atualidade ganhou aspectos sensuais exóticos, sendo excluída de alguns países árabes de atitude conservadora.[1]
Por possuir elementos corporais e sexuais femininos, acredita-se que sua origem remonta ao Período Matriarcal, desde o Neolítico, cujos movimentos revelam sensualidade, de modo que a forma primitiva era considerada um ritual sagrado. A origem está relacionada aos cultos primitivos da Deusa Mãe, Grande Deusa ou Mãe Cósmica:[5][8][9] provavelmente por este motivo, os homens eram excluídos do cerimonial (Portinari, 1989). As mais antigas noções de criação se originavam da idéia básica do nascimento, que consistia na única origem possível das coisas e esta condição prévia do caos primordial foi extraída diretamente da teoria arcaica de que o útero cheio de sangue era capaz de criar magicamente a prole. Acreditava-se que a partir do sangue divino do útero e através de um movimento, dança ou ritmo cardíaco, que agitasse este sangue, surgissem os "frutos", a própria maternidade. Essa é uma das razões pelas quais as danças das mulheres primitivas eram repletas em movimentos pélvicos e abdominais.[10]
As manifestações primitivas, cujos movimentos eram bem diferentes dos atualmente executados, tiveram passagem pelo Antigo Egito, Babilônia, Mesopotâmia, Índia, Pérsia e Grécia, tendo como objetivo através ritos religiosos, o preparo de mulheres para se tornarem mães.[11](Penna, 1997).
Tecnicamente, os movimentos são marcados pelas ondulações abdominais, de quadril e tronco isoladas ou combinadas, ondulações de braços e mãos, tremidos (shimmies) e batidas de quadril , entre outros. Segundo a pesquisadora norte-americana Morroco, as ondulações abdominais consistem na imitação das contrações do parto: tribos do interior do Marrocos realizam ainda hoje, rituais de nascimento, em que as mulheres se reúnem em torno da parturiente com as mãos unidas, e cantando, realizam as ondulações abdominais a fim de estimular e apoiar a futura mãe a ter um parto saudável, sendo que a futura mãe fica de pé, e realiza também os movimentos das ondulações com a coluna. Estas mulheres são assim treinadas desde pequenas, através de danças muito semelhantes à Dança do Ventre.
Ao longo dos anos, sofreu modificações diversas, inclusive com a inclusão dos movimentos do ballet clássico russo em 1930.
Dentre os estilos mais estudados estão os estilos das escolas:
Tendo sido influenciada por diversos grupos étnicos do Oriente, absorveu os regionalismos locais, que lhe atribuíam interpretações com significados regionais. Surgiam desta forma, elementos etnográficos bastante característicos, como nomes diferenciados, geralmente associados à região geográfica em que se encontrava; trajes e acessórios adaptados; regras sobre celebrações e casamentos; elementos musicais criados especialmente para a nova forma; movimentos básicos que modificaram a postura corporal e variações da dança. Nasce então, a Dança Folclórica Árabe.
A dança começou a adquirir o formato atual, a partir de maio de 1798, com a invasão de Napoleão Bonaparte ao Egito, quando recebeu a alcunha Danse du Ventre pelos orientalistas que acompanhavam Napoleão. Porém, durante a ocupação francesa no Cairo, muitas dançarinas fogem para o Ocidente, pois a dança era considerada indecente, o que leva à conclusão de que conforme as manifestações políticas e religiosas de cada época, era reprimida ou cultuada: o Islamismo, o Cristianismo e conquistadores como Napoleão Bonaparte reprimiram a expressão artística da dança por ser considerada provocante e impura.
Neste período, os franceses encontraram duas castas de dançarinas:
Originalmente a dança possuía um aspecto religioso nos cultos à deusa mãe, não se sabe ao certo como foi a ligação com a idéia da prostituição, mas acredita-se que tudo tenha começado no período de transição do matriarcado para o patriarcado, quando as danças femininas passam a ser vistas como ameaça ao novo domínio político.
A história dá um salto, e em 1834, o governador Mohamed Ali, proíbe as performances femininas no Cairo, por pressões religiosas. Em 1866, a proibição é suspensa e as Ghawazee retornam ao Cairo, pagando taxas ao governo pelas performances.
No início da ocupação britânica em 1882, clubes noturnos com teatros, restaurantes e music halls, já ofereciam os mais diversos tipos de entretenimento.
O cinema egípcio começa a ser rodado em 1920, e usa o cenário dos night clubs, com cenas da música e da dança regional. Hollywood passa a exercer grande influência na fantasia ocidental sobre o Oriente, modificando os costumes das dançarinas árabes. Surgem bailarinas consagradas, nomes como Nadia Gamal e Taheya Karioca, entre muitos outros ainda hoje estudados pelas praticantes da Dança Oriental. O aspecto cultural da prostituição relacionada à dança passa a ser dicotomizado: criam-se bailarinas para serem estrelas, com estudos sobre dança, ritmos árabes e teatralidade.
No Brasil a dança foi difundida pela mestra síria Shahrazad e mestra Saamira Samia.
Na década de 1990, a dança do ventre teve o maior impulso durante a exibição da novela O Clone, pela Rede Globo de Televisão, produção a qual tinha por tema as peripécias de uma muçulmana marroquina em terras brasileiras. Contudo, o término da exibição da telenovela não arrefeceu o interesse, existindo atualmente diversas escolas e espaços de dança dedicados à "Raks Sharqi".
A Dança do Ventre, por não ter sido, em origem, uma dança moldada para o palco, não apresenta regulações quanto ao aprendizado. Os critérios de profissionalismo são subjetivos, tanto no ocidente quanto nos países árabes, embora já comecem a ser discutidos no Brasil.
Na passagem para o formato de palco, determinados elementos cênicos foram incorporados, principalmente no Ocidente:
Fonte: Kashmir
Nos casamentos, a presença de uma dançarina é mais do que desejável. "Ela dança para entreter os convidados, mas também tem que posar para fotos ao lado da noiva e do noivo. Depois, o casal coloca cada qual uma das mãos sobre o ventre da dançarina, como forma de garantir uma união frutificante", diz Buonaventura . A dança do ventre é feminina por excelência. "Os homens têm uma dança própria, sacudindo os ombros e os quadris, mas sem rebolados complexos como a das mulheres." Outro privilégio delas é o zagreet - aquele som ululante , emitido com voz aguda e entrecortada. "É uma forma de estímulo entre as dançarinas, uma demonstração de que está gostando do que a outra está fazendo", diz a especialista.
Fonte: Mundo Estranho
Dança do ventre
A dança do ventre é uma famosa dança praticada originalmente em diversas regiões do Oriente Médio e da Ásia Meridional. De origem primitiva e nebulosa, datada entre 7000 e 5000 a.C,[1] seus movimentos aliados a música e sinuosidade semelhante a uma serpente foram registrados no Antigo Egito, Babilônia, Mesopotâmia, Índia, Pérsia e Grécia, e tinham como objetivo preparar a mulher através de ritos religiosos dedicados a deusas para se tornarem mães. Com a invasão dos árabes, a dança foi propagada por todo o mundo.[2] A expressão dança do ventre surgiu na França, em 1893.[3] No Oriente é conhecida pelo nome em árabe raqṣ sharqī[4] (رقص شرقي, literalmente "dança oriental"), ou raqṣ bládi (رقص بلدي, literalmente "dança da região", e, por extensão, "dança popular"), ou pelo termo turco çiftetelli (ou τσιφτετέλι, em grego).É composta por uma série de movimentos vibrações, impacto, ondulações e rotações que envolvem o corpo como um todo.[5] Na atualidade ganhou aspectos sensuais exóticos, sendo excluída de alguns países árabes de atitude conservadora.[1]
Origens
A origem é controversa. É comum atribuir a origem a rituais oferecidos em templos dedicados à deusa Ísis, em agradecimento à fertilidade feminina[6][7] e às cheias do rio Nilo, as quais representavam fartura de alimentos para a região; embora a Egiptologia afirme que não há registros desta modalidade de dança nos papiros - as danças egípcias possuíam natureza acrobática. É possível que alguns dos movimentos, como as ondulações abdominais, já fossem conhecidos no Antigo Egito, com o objetivo de ensinar às mulheres os movimentos de contração do parto. Com o tempo, foi incorporada ao folclore árabe durante a invasão moura no país, na Idade Média. Não há, contudo, registros em abundância da evolução na Antiguidade.Por possuir elementos corporais e sexuais femininos, acredita-se que sua origem remonta ao Período Matriarcal, desde o Neolítico, cujos movimentos revelam sensualidade, de modo que a forma primitiva era considerada um ritual sagrado. A origem está relacionada aos cultos primitivos da Deusa Mãe, Grande Deusa ou Mãe Cósmica:[5][8][9] provavelmente por este motivo, os homens eram excluídos do cerimonial (Portinari, 1989). As mais antigas noções de criação se originavam da idéia básica do nascimento, que consistia na única origem possível das coisas e esta condição prévia do caos primordial foi extraída diretamente da teoria arcaica de que o útero cheio de sangue era capaz de criar magicamente a prole. Acreditava-se que a partir do sangue divino do útero e através de um movimento, dança ou ritmo cardíaco, que agitasse este sangue, surgissem os "frutos", a própria maternidade. Essa é uma das razões pelas quais as danças das mulheres primitivas eram repletas em movimentos pélvicos e abdominais.[10]
As manifestações primitivas, cujos movimentos eram bem diferentes dos atualmente executados, tiveram passagem pelo Antigo Egito, Babilônia, Mesopotâmia, Índia, Pérsia e Grécia, tendo como objetivo através ritos religiosos, o preparo de mulheres para se tornarem mães.[11](Penna, 1997).
Evolução técnica: aspectos gerais
Almeh - Cairo: Dançarina do século 19. Frederic Goupil Fesquet (1806-1893)
Ao longo dos anos, sofreu modificações diversas, inclusive com a inclusão dos movimentos do ballet clássico russo em 1930.
Dentre os estilos mais estudados estão os estilos das escolas:
- Egípcia: manifestações sutis de quadril, domínio de tremidos, deslocamentos simplificados adaptados do Ballet Clássico, movimentos de braços e mãos simplificados;
- Norte-americana: manifestações mais intensas de quadril, deslocamentos amplamente elaborados, movimentos do Jazz, utilização de véus em profusão, movimentos de mãos e braços mais bem explorados;
- Libanesa: com shimmies mais amplos e informais, seguidos de deslocamentos muito simplificados.
Evolução histórica: aspectos gerais
Danseuses au bord du Nil. Louis-François Cassas - 1784-1785
A dança começou a adquirir o formato atual, a partir de maio de 1798, com a invasão de Napoleão Bonaparte ao Egito, quando recebeu a alcunha Danse du Ventre pelos orientalistas que acompanhavam Napoleão. Porém, durante a ocupação francesa no Cairo, muitas dançarinas fogem para o Ocidente, pois a dança era considerada indecente, o que leva à conclusão de que conforme as manifestações políticas e religiosas de cada época, era reprimida ou cultuada: o Islamismo, o Cristianismo e conquistadores como Napoleão Bonaparte reprimiram a expressão artística da dança por ser considerada provocante e impura.
Neste período, os franceses encontraram duas castas de dançarinas:
- As Awalim (plural de Almeh), consideradas cultas demais para a época, poetizas, instrumentistas, compositoras e cantoras, cortesãs de luxo da elite dominante, e que fugiram do Cairo assim que os estrangeiros chegaram;
- As Ghawazee (plural de Ghazeya), dançarinas populares, ciganas - descendentes dos grupos de ciganos dumi (دومي) (ou nawar) e helebi (os mais comuns no Egipto e na região do Levante), que passavam o tempo entretendo os soldados. Entre os ciganos do Médio Oriente, a dança não é considerada vergonhosa, e as suas mulheres cantam e dançam para animar festas de casamento e eventos em geral, o que é aceite pela sociedade mais ampla, mas contribui ainda mais para manter os ciganos com status inferior.
Originalmente a dança possuía um aspecto religioso nos cultos à deusa mãe, não se sabe ao certo como foi a ligação com a idéia da prostituição, mas acredita-se que tudo tenha começado no período de transição do matriarcado para o patriarcado, quando as danças femininas passam a ser vistas como ameaça ao novo domínio político.
A história dá um salto, e em 1834, o governador Mohamed Ali, proíbe as performances femininas no Cairo, por pressões religiosas. Em 1866, a proibição é suspensa e as Ghawazee retornam ao Cairo, pagando taxas ao governo pelas performances.
No início da ocupação britânica em 1882, clubes noturnos com teatros, restaurantes e music halls, já ofereciam os mais diversos tipos de entretenimento.
Taheya Karioca - Hollywood - 1920
No Brasil a dança foi difundida pela mestra síria Shahrazad e mestra Saamira Samia.
Na década de 1990, a dança do ventre teve o maior impulso durante a exibição da novela O Clone, pela Rede Globo de Televisão, produção a qual tinha por tema as peripécias de uma muçulmana marroquina em terras brasileiras. Contudo, o término da exibição da telenovela não arrefeceu o interesse, existindo atualmente diversas escolas e espaços de dança dedicados à "Raks Sharqi".
A Dança do Ventre, por não ter sido, em origem, uma dança moldada para o palco, não apresenta regulações quanto ao aprendizado. Os critérios de profissionalismo são subjetivos, tanto no ocidente quanto nos países árabes, embora já comecem a ser discutidos no Brasil.
Alusão às posições dos papiros egípcios
- Espada: A origem é nebulosa e não necessariamente atribuída á cultura egípcia ou árabe, sendo explicada por várias lendas e suposições.
- O que é certo, porém, é que a bailarina que deseja dançar com a espada, precisa demonstrar calma e confiança ao equilibra-la em diversas partes do corpo;
- Pontos de equilíbrio mais comuns: cabeça, queixo, ombro, quadril e coxa;
- Também é considerado um sinal de técnica executar movimentos de solo durante a música;
- Punhal: Variação da dança com a espada, também sem registro de uso nos países árabes.
- O desafio para a bailarina nesta dança não é a demonstração de técnica, mas sim a de sentimentos;
- Véus: Ao contrário do que se pensa, é uma dança de origem ocidental norte-americana, tendo sido, portanto, criada há pouco tempo, ao contrário das danças folclóricas.
- Hoje é uma dança extremamente popular, e mesmo os leigos na Dança do Ventre costumam entende-la e apreciá-la.
Danças folclóricas
- Candelabro (shamadan): Elemento original egípcio, o candelabro era utilizado no cortejo de casamento, para iluminar a passagem dos noivos e dos convidados. Dança-se, atualmente, como uma representação deste rito social, utilizando o ritmo zaffa.
- Taças: Variação ocidental da dança com candelabro.
- Khaligi: Dança genérica dos países do golfo pérsico. É caracterizada pelo uso de uma bata longa e fluida e por intenso uso dos cabelos. Caracteriza-se por uma atmosfera de união familiar, ou simplesmente fraterna entre as mulheres presentes. Dança-se com ritmos do golfo, principalmente o soudi.
- Jarro: Representa o trajeto das mulheres em busca da água. Marcada também pelo equilíbrio.
- Säidi: Dança do sul do Egito, podendo ser dançada com o bastão (no ocidente, bengala).
- Hagallah: Originária de Marsa Matruh, na fronteira com o deserto líbio.
- Meleah laff: representação do cotidiano portuário egípcio de Alexandria. As mulheres trajam um pano (meleah) enrolado (laff) no corpo.
- A dança com a cobra é considerada ato circense - a cobra era considerada sagrada no Antigo Egito e por isso algumas bailarinas fazem alusão nas performances - mas não é considerada representativa da dança.
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BENEFICIOS DA DANÇA DO VENTRE• Melhora alongamento e flexibilidade; • Coordenação motora; • Modela o corpo, afina a cintura, tonifica musculatura interna e externa dos braços, pernas e abdômen; • Corrige postura diminuindo dores na coluna,derivada de desvios posturais; • Massageia os órgãos internos estimulando um melhor funcionamento • Ajuda a emagrecer; • Alivia tensões, combate o estress; • Desperta a feminilidade. A DANÇA DO VENTRE NÃO DA BARRIGA! Pelo contrario, trabalhamos muito a musculatura do abdômen, tonificando-o, portanto, esta afirmação é absolutamente sem fundamento. “A Dança do Ventre alimenta a nossa alma! Estar em um ambiente mágico, trabalhando nosso corpo de maneira prazerosa ao som de uma música perfeita, equilibrando nossos centros energéticos, tudo isso causa um enorme bem estar. Tire um tempo para você, um tempo para se encontrar, ser mulher. Venha fazer dança do ventre e descubra o prazer de dançar a vida! ” Milene | ||
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BENEFICIOS DA DANÇA DO VENTRE• Melhora alongamento e flexibilidade; • Coordenação motora; • Modela o corpo, afina a cintura, tonifica musculatura interna e externa dos braços, pernas e abdômen; • Corrige postura diminuindo dores na coluna,derivada de desvios posturais; • Massageia os órgãos internos estimulando um melhor funcionamento • Ajuda a emagrecer; • Alivia tensões, combate o estress; • Desperta a feminilidade. A DANÇA DO VENTRE NÃO DA BARRIGA! Pelo contrario, trabalhamos muito a musculatura do abdômen, tonificando-o, portanto, esta afirmação é absolutamente sem fundamento. “A Dança do Ventre alimenta a nossa alma! Estar em um ambiente mágico, trabalhando nosso corpo de maneira prazerosa ao som de uma música perfeita, equilibrando nossos centros energéticos, tudo isso causa um enorme bem estar. Tire um tempo para você, um tempo para se encontrar, ser mulher. Venha fazer dança do ventre e descubra o prazer de dançar a vida! ” Milene | ||
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A Dança de Salão também pode ser uma dança muuita elegante, vejamos:
Aprenda a Dançar - Dança de Salão
Dançar a dois é saudável é prazeroso, a dança te sociabiliza. Deixe sua vida mais feliz.
Benefícios da dança de salão:* Elimina o stress e a ansiedade;
* Exercita os músculos de forma suave;
* Queima Calorias;
* Melhora a circulação sanguínea;
* Estimula a sociabilidade;
* Melhora a postura.
OS BENEFICIOS DA DANÇA DE SALÃO
Quem está cansada da rotina das academias encontra uma boa alternativa nas aulas de dança de salão. Zouk, tango e outras modalidades já viraram mania em vários lugares.
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Dançar aumenta a freqüência cardíaca, estimula à circulação do sangue, melhora a capacidade respiratória e queima muitas calorias. A dança de salão é essencialmente uma atividade social e provoca uma sensação de bem-estar psicológico. Permite a troca de experiências, estimula o diálogo e aumenta a motivação.
Homens e mulheres procuram a dança por motivos diferentes. Elas vão em busca de uma atividade prazerosa que possa aliviar as tensões. Eles geralmente vão arrastados pelas esposas e namoradas. Os solteiros freqüentam os cursos de dança para conhecer pessoas ou para perder a timidez.
Existe o preconceito de que dança de salão é “coisa de velho” e de que alguns ritmos, tais como o bolero, é “coisa careta”. Ao freqüentar os salões de dança, esse conceito muda rapidamente e todos acabam adorando dançar.
Para aproveitar todos os benefícios dessa atividade e arriscar os primeiros passos, o ideal é freqüentar um curso de dança de salão. Mesmo que no começo pareça difícil sincronizar os passos com os do parceiro, com mais ou menos três meses de aula até os mais desajeitados já “fazem bonito”.
A dança de salão está na moda e pode ser uma boa alternativa para queimar muitas calorias. Além disso, é possível conhecer um monte de gente e divertir-se para valer. Experimente, não há contra-indicação.
Fonte Vila Equilíbrio
02/07/2011
Hoje vou praticar esportes, mas vou me soltar, pois, vou dançar muito!
Os benefícios da natação
A água, “matéria-prima” da natação, detém características relaxantes e fautoriza as funções orgânicas, sendo desprovida de efeitos agressivos. Assim, quaisquer que sejam as circunstâncias, idade, sexo ou profissão, salvo em situações de desaconselhamento médico, toda a gente pode e deve praticar natação, pois esta, apresenta grandes benefícios para a saúde.
A natação diminui os riscos de incidência de doenças cardiovasculares. De facto, as braçadas vão tornando o coração mais forte, favorecendo a formação de músculo, ao mesmo tempo que eliminam a gordura em torno deste órgão vital, de modo que este adquire a capacidade de bombear mais sangue para todo o corpo. Paralelamente, esta actividade física reduz a frequência cardíaca e estimula a circulação sanguínea.
A natação também fortalece os músculos da parede torácica, o que permite a elasticidade dos pulmões e que os torna capazes de absorver uma maior quantidade de oxigénio. Isto faz com que se experimente uma melhoria significativa no processo respiratório.
As articulações são, igualmente, beneficiadas. Aumentando de tamanho, os músculos resguardam com eficácia superior tendões e ligamentos. A natação leva ainda ao exercício de todas as articulações, potencia a sua agilidade e promove a lubrificação destas, contribuindo para o alívio das dores resultantes de artroses. Patologias como a fibromialgia têm com a natação uma calmia dos sintomas dolorosos, à semelhança de outras que impliquem padecimentos relacionados com a dor.
Um dos outros proveitos da natação, diz respeito ao aumento da auto-estima. Os indivíduos que praticam desporto sentem-se mais seguros e são, em geral, mais independentes. Para além disto, a água propicia uma liberdade de movimentos não equiparável a outras actividades “secas”. O cariz lúdico constitui um importante coadjutor do relaxamento mental.
Outro dos aspectos da natação que interessa bastante é o retardamento das consequências do envelhecimento, quer em termos físicos, quer psicológicos. Diversas pesquisas certificam que uma pessoa que faz exercício com regularidade tem maior aptidão física do que outra vinte anos mais nova que não pratique qualquer desporto.
Na realidade, a natação interfere e trabalha toda a musculatura do corpo, e a amortização do impacto dos movimentos do nadador pela água torna quase nula a probabilidade de sofrer alguma lesão.
Em acréscimo, a natação ajuda a queimar calorias (podendo chegar às 600 por hora) e colabora na definição da silhueta. Aperfeiçoa, também, a coordenação motora e activa a memória, na medida em que garante uma excelente oxigenação cerebral.
A natação é um dos grandes aliados no combate ao stress, pois a enorme concentração necessária para conciliar respiração e movimentos leva a uma sublimação das tensões e a um distanciamento dos problemas do quotidiano.
Aos cidadãos portadores de deficiências, a natação proporciona ampliação do potencial do seu organismo como um todo, a par de uma melhoria da auto-imagem e de uma maior inserção social. A vertente emocional é deveras relevante neste grupo de alunos, uma vez que lhes faculta o abandono temporário do seu mecanismo de locomoção (cadeira de rodas, canadianas, aparelhos ortopédicos, …), concedendo-lhes desfrutar de independência, fomentadora da auto-estima. Adicionalmente, a prática da natação, para eles, é muito gratificante porque nem toda a gente sabe nadar.
Fonte: Camaçari Notícias
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